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Las canciones exitosas son de 4 acordes

La mayoría de las canciones pop/rock constan de una melodía cantada a la que acompañan varios instrumentos realizando progresiones de acordes, acordes que se suceden y que se repiten sirviendo como una estructura armónica que soporta la melodía.

Si la melodía es una sucesión de notas ordenadas las progresiones son sucesiones de acordes. Algunas de estas progresiones acaban por convertirse en modelos sobre los que se han construido gran cantidad de canciones de éxito. Es decir, que muchos músicos parten de esta progresión, variando en ocasiones el ritmo o los instrumentos añadiendo una melodía propia. Así consiguen atraer el oído del oyente con algo familiar pero aportando algo nuevo.

En realidad este recurso lo podemos encontrar en otros momentos de la historia de la música.

La progresión de I -V - vi - IV es una progresión común de acordes en varios géneros de música. Por ejemplo en clave de C mayor esto sería: C - G - Am - F. 

Usos basados ​​en un punto de partida diferente pero con el mismo orden de acordes / intervalos:

Ejemplo en C
  • I - V - vi - IV = C - G - Am - F (optimista)
  • V - vi - IV - I = G - Am - F - C
  • vi - IV - I - V = Am - F - C - G (pesimista)
  • IV - I - V - vi = F - C - G - Am

La progresión de los años 50 utiliza un orden diferente (I - vi - IV - V), sin importar el punto de partida. También se conoce como "progresión pop-punk" debido a su uso frecuente en el pop punk.

¿Por qué tantas canciones usan los mismos acordes?
Técnicamente, no todas las canciones usan los mismos acordes. Lo que sí utilizan es la misma relación entre ellos (fórmulas de progresión acordes). 

Toca las canciones usando C, G, Am y F, estos acordes se pueden transponer a otra clave completamente diferente siempre y cuando se mantenga la relación entre ellos. En la clave de G (Sol), por ejemplo, los acordes serían G, D, Em y C (Sol, Re, Mi menor y Do).




En este video puedes ver una parodia de cómo se abusa de algunas de estas progresiones como es la formada por los cuatro acordes I - V - vi - IV en tonalidad de C mayor. 



La lista de canciones
Journey – “Don’t Stop Believing”
James Blunt – “You’re Beautiful”
Black Eyed Peas – “Where Is the Love”
Alphaville – “Forever Young”
Jason Mraz – “I’m Yours”
Train – “Hey Soul Sister”
The Calling – “Wherever You Will Go”
Elton John – “Can You Feel The Love Tonight” (from The Lion King)
Akon – “Don’t Matter”
John Denver – “Take Me Home, Country Roads”
Lady Gaga – “Paparazzi”
U2 – “With Or Without You”
The Last Goodnight – “Pictures of You”
Maroon Five – “She Will Be Loved”
The Beatles – “Let It Be”
Bob Marley – “No Woman No Cry”
Marcy Playground – “Sex and Candy”
Men At Work – “Land Down Under”
Theme from America’s Funniest Home Videos
Jack Johnson – “Taylor”
Spice Girls – “Two Become One”
A Ha – “Take On Me”
Green Day – “When I Come Around”
Eagle Eye Cherry – “Save Tonight”
Toto – “Africa”
Beyonce – “If I Were A Boy”
Kelly Clarkson – “Behind These Hazel Eyes”
Jason DeRulo – “In My Head”
The Smashing Pumpkins – “Bullet With Butterfly Wings”
Joan Osborne – “One Of Us”
Avril Lavigne – “Complicated”
The Offspring – “Self Esteem”
The Offspring – “You’re Gonna Go Far Kid”
Akon – “Beautiful”
Timberland featuring OneRepublic – “Apologize”
Eminem featuring Rihanna – “Love the Way You Lie”
Bon Jovi – “It’s My Life”
Lady Gaga – “Pokerface”
Aqua – “Barbie Girl”
Red Hot Chili Peppers – “Otherside”
The Gregory Brothers – “Double Rainbow”
MGMT – “Kids”
Andrea Bocelli – “Time To Say Goodbye”
Robert Burns – “Auld Lang Syne”
Five for fighting – “Superman”
The Axis of Awesome – “Birdplane”
Missy Higgins – “Scar”

Robert Schumann: Consejos a los jovenes estudiantes de musica

Robert Schumann, el mas grande compositor aleman del periodo romantico, fue tambien autor de una valiosa critica musical.

En 1842 – con Knorr, Schunke y Wieck (su maestro) – fundo en Leipzig, la “Nueva Gaceta Musical”, de la cual fue el unico redactor desde 1835 hasta 1844.

En dicho periodico, Schumann lucho infatigablemente en pro del progreso musical, a veces fustigando (por ejemplo: a Meyerbeer), a veces elogiando (por ejemplo: a Cherubini y a Mendelssohn); pero la gloria de Shumann, como critico musical, es la de haber revelado al publico el genio de Chopin (1810-1849), de Berlioz (1803-1869) y de Brahms (1833-1987).

 
Consejos a los jovenes estudiantes de musica
La educacion del oido es de maxima importancia; es conveniente, pues, que en seguida te ocupes de ella, esforzandote en reconocer cualquier sonido que escuches y la tonalidad de cada trozo de musica. Procura saber y reconocer los sonidos. 

Tocar con atencion las escalas y los ejercicios mecanicos es una cosa optima; pero no imites a esos pianistas que, creyendo que con esto se alcanza el maximo resultado, dedican siempre, hasta las mas avanzada edad, varias horas diarias a los ejercicios mecanicos de los dedos. Eso equivale a repetir diariamente, con creciente rapidez, las letras del abecedario. Es necesario emplear mejor el tiempo (Nota: este consejo se aplica a todos los instrumentos no solo el piano)

Se han construido los llamandos teclados mudos; pero despues de breve uso te convenceras de su inutilidad: ¿como pueden los mudos enseñar a hablar?

¡Lleva bien el compas! La ejecucion de algunos concertistas se parece al andar de un borracho; guardate de tomar a ellos por modelo.

Profundizate temprano en las leyes fundamentales de la armonia.

No te asustes de los nombres: Teoria, Armonia, contrapunto, etc; con un poco de buena voluntad, pronto te seran familiares.

¡No toques negligentemente! Ejecuta cada trozo siempre con mucha atencion, sin omitir nada.

Tocar muy aprisa es un defecto tan grande, como tocar muy despacio.

Procura ejecutar lo mejor posible obras faciles, obtendras asi mas beneficios que ejecutando mediocremente composiciones dificiles.

Ten siempre tu instrumento perfectamente afinado

No basta con ejecutar con los dedos la musica; hay que saber tambien cantarla, en voz baja, sin recurrir al instrumento

Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodia de una composicion, sino tambien su armonia.

Aunque tengas poca voz, acostumbrate a cantar repentizando, sin la ayuda de instrumento alguno; asi perfeccionaras siempre mas el oido. Pero si tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no vaciles en educarla: ¡considerala como uno de los mas preciados dones que te haya concecido Dios!

Procura llegar a comprender la musica escrita, sin ejecutarla: con solo leerla.

Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero si, ejecuta siempre como si te escuchara un maestro.

La primera cualidad de la interpretacion es la precision, o sea la exacta observancia del texto, que pone de relieve la mas recondita intencion del autor.

Si te dan para tocar un trozo que no conoces, leelo antes de ejecutarlo

Si despues de la tecnica diaria estas cansado/a, no continues tocando: es mejor descansar que trabajar sin placer y sin energia.

No ejecutes las composiciones que estan de moda. El tiempo es precioso, y seria necesario vivir cien veces mas de los que se vive para llegar a conocer solo la buena musica existente.

Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La nutricion del espiritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente: alimentate de sus obras.

Aquella música cuyo fin es poner en evidencia dificultades tecnicas en la ejecucion pronto pasa de moda: las dificultades tecnicas tienen valor solo cuando persiguen fines mas elevados, o sea cuando logran una perfecta ejecucion de la musica de verdadero merito.

No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas de impedir su difusion.

No toques musica mala y, salvo que las circunstancias te obliguen, tampoco la escuches.

No creas que la verdadera maestria consiste solo en la agilidad. En la ejecucion de un buen trozo procura mas bien producir la impresion que tenia en la mente el compositor y nada mas. Cualquier otra cosa seria caricatura.

No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambios y mutilaciones en la musica de los grandes compositores, como tambien agregar adornos de uso exclusivamente moderno. Es la maxima injuria que se puede hacer al arte.

NOTA DEL TRADUCTOR – Aqui recuerdo lo que dice Berlioz al respecto: “No, no, no, diez millones de veces no; musicos, poetas, actores, pianistas, directores de orquesta de tercero, segundo y tambien de primer orden, vosotros no teneis el derecho de retocar a los Beethoven y a los Shakespears, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vuestro gusto. No, no, no, mil millones de veces no: un hombre, cualquiera que sea, no tiene el derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia fisonomia para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a asumir una forma que el no ha elegido”.


Al seleccionar la musica que debes estudiar, consulta siempre a personas con mas experiencia que tu; ahorras tiempo.

Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los grandes compositores.

No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los llamados virtuosos. La aprobacion de los competentes sea para ti de mayor valor que la del publico.

La musica que esta de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla, seras considerado un necio.

Tocar mucho en reuniones sociales es mas dañoso que util. Adaptate al gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna musica de la cual, intimamente, puedas avergonzarte.

Aprovecha la ocasion de ejecutar musica de conjunto, o sea duetos, trios, cuartetos, etc; adquiriras siempre desenvoltura y arrojo en la ejecucion. Tambien es beneficioso acompañar a los cantantes.

Si todos quisieran ser primer violin, ¿como seria posible formar una orquesta? Por lo tanto valora a cada ejecutante en la parte que desempeña.

Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que el es mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona tambien que existe la voz humana, y que en la musica se alcanza lo sublime uniendo el coro a la orquesta.

Progresando en el arte, trata de familiarizarte mas con las partituras que con los virtuosos.

Ejecuta muy a menudo las fugas de los grandes maestros, maxime las Johann Sebastian Bach. El clave bien temperado sea tu pan cotidiano: llegaras, sin duda, a ser un pianista de prestigio.

Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben mas que tu.

Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de los buenos poetas, ademas pasea muy a menudo por los campos y los bosques.

Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer todo lo que dicen.

Reflexiona que no eres unico en el mundo; por lo tanto se modesto. Tu no has ideado o hallado cosas que otros no hayan ideado o hallado antas que tu; y en el caso que esto aconteciera, consideralo como un Don que debes dividir con otros.

El estudio de la historia de la musica  y la audicion de las obras de los grnades maestros de distintas epocas, son los verdaderos remedios contra toda vanidad y presuncion.

Un hermoso libro es el de Thibaut, titulado Pureza del arte musical. Leelo muy a menudo cuando llegues a la edad madura.

NOTA DEL TRADUCTOR – Antonio Federico Juste Thibaut nacio en Hameln el 4 de Enero de 1774 y fallecio el 28 de Marzo de 1840 en Heidelberg, donde era profesor de derecho. En 1825 publico el libro Pureza del arte musical (cuya version al español no existe), que en Alemania ejercio mucha influencia sobre el renacimiento de la musica antigua, maxime la de la iglesia.

Thibane llego a reunir mas de 600 importantes composiciones de distintos autores de todos los paises (siglos XV, XVI, XVII y XVIII).



Si pasando delante de una iglesia, oyes tocar el organo, detente y escucha. Si alguna vez puedes tocar dicho instrumento te asombraras de la gran potencia de la musica producida por tus pequeños dedos.

Aprovecha cuantas ocasiones se te presenten de ejercitarte en el organo; ningun instrumento como este hace oir claramente las deficiencias de la ejecucion y el pesimo estilo de la composicion.

Canta muy a menudo en los coros, maxime en las partes medias: esto contribuira a formar tu sensibilidad musical.

¿Que quiere decir poseer sensibilidad musical? Tu no la posees si tocas un trozo con fatiga, mirando con ansiedad los sonidos escritos, o si ejecutando, te detienes de repente y eres incapaz de continuar, porque te han dado vuelta dos paginas el mismo tiempo. Por el contrario tu la posees si, tocando un trozo nuevo para ti, llegas a adivinar, en cierto modo, lo que sigue; o si el trozo es conocido, lo recuerdas. En conclusion, tu posees sensibilidad musical si tienes la musica no solo en los dedos, sino tambien en la cabeza y en el corazon.

¿Como se puede adquirir la sensibilidad musical? Mis queridos amigo(a)s, la sensibilidad musical es un don y consiste, principalmente, en tener un oido delicado y una rapida facultad de percepcion. Estas dichosas disposiciones pueden ser cultivadas y perfeccionadas, pero no encerrandose en un cuarto y tocando solo los ejercicios mecanicos, sino estando en contacto con otros musicos y especialmente familiarizandose con el coro y con la orquesta.

Procura conocer bien y a tiempo la extension de la voz humana en sus cuatro modificaciones. Estudiala particularmente en los coros, investigando cuales son los sonidos con los que la voz manifiesta mayor potencia, y cuales aquellos con que expresa pasiones tiernas y sentimientos delicados.

Escucha con atencion los cantos popularaes: ellos constituyen un rico manantial de hermosisimas melodias que te facilitaran el estudio sobre el caracter de la musica de las diferentes naciones.

Ejercitate muy a menudo en la lectura de las claveas antiguas, de lo contrario, ignoraras muchos tesoros del pasado.

Pon atencion al diferente timbre y al caracter propio de los distintos instrumentos, procurando retener en tu oido las cualidades particulares de sus sonidos.

Respeta la musica antigua; pero interesate tambien por la moderna

No tengas animo adverso por la musica cuyo autor te es desconocido.

No juzgues una composicion despues de la primera audicion, pues lo que agrada en seguida no siempre es lo mejor. Las obras de los grandes maestros deben ser estudiadas, y muchas cosas seran claras para ti cuando tengas mas años.

Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir aquellas que pertenecen al verdadero arte de las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.

¡Melodia! – he aqui el grito de guerra de los aficionados. Y a decir verdad, no existiria musica sin melodia. Pero es necesario conocer bien que cosas entienden ellos por melodia: un estribillo de facil comprension y de agradable ritmo. Pero existen melodias de genero diferente: si se da un vistazo a las obras de Bach, mozart, Beethoven, se vera como en ellas se presenta bajo mil formas. Es de esperar que pronto te fastidien las melodias uniformes.

Es bueno componer pequeñas melodías en el piano; pero si las ideas musicales vienen a ti, sin buscarlas en el piano, tendrás que alegrarte mucho más, porque tu sensibilidad musical se despierta. Los dedos deben ejecutar lo que el cerebro quiere, y no lo contrario.

Cuando empieces a componer, imagina primero con el pensamiento, y sólo cuando tu trabajo está completamente ideado en tu cerebro, ejecútalo en el piano.

Si tu música proviene del alma y del corazón, y tú mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover también a los demás.

Si Dios te ha dado el don de una fantasia vivaz, cuando te halles solo, sentado ante el piano, muy a menudo tentarás de expresar con las armonias el íntimo sentimiento de tu ánimo; y cuanto más obscura sea para tí la ciencia armónica, tanto más te parecerá ser misteriosamente arrastrado a regiones encantadas. Estas son las horas más bellas de la juventud. Pero no te dejes llevar frecuentemente por la fantasia que podria hacerte perder tiempo y fuerzas, corriendo detrás de fantasmas. Nunca se llega a dominar las formas de la composición y a expresar claramente las propias ideas, si no se ponen por escrito los propios conceptos. Por lo tanto, escribe más de lo que improvises.

Trata de adquirir a tiempo el arte de dirigir la orquesta. Observa a los buenos directores y esfuérzate en dirigir tú mismo mentálmente: asi adquirirás lucidez de percepción.

Estudia atentamente la vida y procúrate conocimientos también en otras artes y ciencias.

Las leyes de la moral son también las del arte.

Diligencia y perseverancia son los factores más importantes del progreso.

NOTA DEL TRADUCTOR: Respecto a la diligencia, creo oportuno recordar lo que dice Leonardo de Vinci: “No olvides que aprenderás más con la diligencia que con la prisa”, y en cuanto a la perseverancia recuerda el célebre refrán: “La gotera cava la piedra”, o sea, que la constancia vence toda dificultad.


De una libra de hierro, que cuesta pocos centavos, se puede obtener un millar de manecillas de reloj, cuyo valor, comparado con el de la primera materia, es prodigioso. Emplea, por lo tanto, concienzudamente la “Libra” que has recibido de Dios.

En arte, sin entusiasmo, nada grande se produce.

El objeto del arte no debe ser la ganancia material. Trata de llegar a ser lo más experto posible: el resto vendrá solo. El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

Tal vez solo un genio puede llegar a comprender a otro genio.

Se dice que un perfecto músico, al escuchar por primera vez un trozo orquestal, por complicado que sea, deberia verlo en su mente como si tuviera delante la partitura escrita. Esto sería, verdaderamente, el colmo del intelecto musical.

El Estudio no tiene fin.

NOTA DEL TRADUCTOR: Recuerda lo que dice Arturo Graf en su interesante libro de aforismos y parábolas Ecce Homo (edic. treves, Milán, 1908): “Cuando yo era joven, me parecia saber mucho; ahora, después de años y años de estudio, me doy cuenta de que sé muy poco; sin embargo, no es posible que el estudio sea un progreso en la ignorancia”.

Robert Schumann

El arte de hacer canciones

Como compositor hay muchas cosas que deben ser consideradas en el proceso creativo para crear y desarrollar una canción. Hay muchos factores que necesitan estar en su lugar para tener una gran canción. 

Comencemos con un gran título 
Tener un gran título te ayudará a desarrollar mejor tus ideas de canciones
Para empezar una canción debe tener un gran título. El título debe estar escrito de tal manera que atraiga la atención del oyente. Debe proporcionar suficiente información que el oyente pueda identificar fácilmente la canción y crear cierta curiosidad del contenido de las canciones. 

Mantener un título simple
Los títulos largos dan mucha información y evitan que el oyente explore la canción. 
El título también ayudará a establecer la escena, el estado de ánimo y la historia de su canción. Si estás atascado en conseguir un título de la canción, la mejor manera es escuchar conversaciones a tu alrededor. 

Al escuchar obtendrás más ideas que puedas imaginar. Mantener un diario de los títulos, cuanto más tengas mejor. Al pensar creativamente es mejor tener demasiado y luego editar abajo para encontrar las gemas. 
Es un poco como la minería de oro. Comienzas con mucha suciedad y luego descubres que la suciedad se va y el oro se deja ver. 

Una vez que tengas un gran título, lo siguiente que debes buscar es un "Gancho". 

Los Ganchos 
El gancho es la parte de cualquier canción que sea fácilmente recordada por el oyente. Muchas veces se encuentra el estribillo de la canción. Incluso puede ser el título de la canción. El "Gancho" debe ser simple y memorable y "destacarse" en la canción. Necesita ser repetido varias veces durante la canción. 

Los ganchos aparecen en canciones en diferentes formas. Podría ser la melodía y el título juntos en el estribillo, podría ser un motivo de un instrumento estratégicamente en algún lugar de la canción. 
También podría ser un patrón de ritmo único. Ten en cuenta que puede haber más de un gancho en una sola canción. Podría ser una combinación de cualquiera de los ejemplos anteriores. 

Letras con un tema universal 
Cuando se trata del tema de la canción una gran canción tendrá una historia que se puede relacionar con una amplia audiencia. 

Escribimos canciones por diferentes razones. A veces estas razones son profundamente personales. Se cauteloso para las canciones extremadamente personales. 
Existe el peligro de que el tema sea demasiado específico. Si eres demasiado específico reduce el número de personas que pueden relacionarse con tu canción. 
Un compositor es un comunicador. Como comunicador es su deber contar una historia. Una historia que no pierda su audiencia creando algo que nadie puede entender porque es demasiado personal. Además de ser demasiado personal, ten cuidado de que sus imágenes sean demasiado "allá afuera". La imagen debe reforzar la línea de la historia de la canción. Si las palabras describen algo que sólo es relevante y comprensible por unos pocos selectos, perderás al oyente. 

Melodía 
La melodía es una parte importante de una canción. Al escribir tu melodía, asegúrate de que la persona promedio pueda cantarla. Manten el tono dentro de un rango razonable. Una buena melodía tendrá estas características. 

En primer lugar, la melodía tendrá una forma distinta. La forma debe parecerse a una cordillera con puntos altos y puntos bajos. Evita permanecer en una nota durante demasiado tiempo. 

En segundo lugar, la melodía de una gran canción no debe más que 3-4 frases musicales contrastantes. Para hacer memorables estas frases musicales, éstas deben repetirse varias veces en el curso de la canción. 

Tercero, la melodía debe tener una nota de "encanto mágico". Esta es una nota inesperada y única que realmente destaca. Esta nota grita "¡Aquí estoy!" Por fin, la melodía necesita tensión y liberación. Esto hará que la melodía interesante. Para construir la tensión usa notas que no sean acordes.
 
Esquema de rimas 
Las canciones necesitan algún tipo de esquema de rima. Rimas hacen que las canciones suenen mejor. Se debe tomar tiempo para crear rimas que funcionen bien. Escribir letras de canciones no es lo mismo que escribir poesía. Estos son diferentes tipos de escritura. Aún así, la escritura lírica utiliza muchas de las técnicas comunes a la poesía. 

Ejemplos de rimas:
Rimas finales - Rimas de las palabras finales de líneas en un poema. 
Rimas Inclinadas - Rima en la que dos palabras comparten un sonido de vocal o en el que comparten sólo un sonido de consonante 
Hay muchos más tipos, pero estos son los más comunes. 

Junto con las rimas de palabra hay también colocación estructural de la rima. 

Ejemplo de estructura:

AAAA 
ABAB 
ABBA 
ABAC 
ABABCC 

La estructura ayuda a crear cierta previsibilidad para el oyente y hacer que el sonido lírico sea agradable al oído.

Estructura de una canción
Las canciones tienen una estructura básica mínima de verso-estribillo. A esta estructura se le integran distintos elementos el cual cada compositor utiliza para componer la canción a su gusto y obtener distintos resultados. Diferentes estructuras y elementos generan diferentes efectos.

Los ingredientes que generalmente forman una canción son:

Introducción: La introducción aparece al inicio de una canción y dura de 5 a 15 segundos, en ella se puede usar la melodía, armonía o un fraseo, y el objetivo es captar la atención del oyente e irlo adentrando en la canción.

Verso: Aquí es donde ya aparece la lírica acompañada de una armonía bien establecida, generalmente se ubica antes del estribillo. El verso se identifica cuando dos o más secciones contienen la misma música y diferente letra.

Pre-estribillo: Este elemento es el que ayudará a conectar el verso con el estribillo gracias a que permite una transición de la armonía generando el cambio de momento.

Estribillo: Se considera la parte más importante de la canción ya que en ella generalmente se incluye el nombre del tema, además la melodía suele contrastar con la introducción y el verso, lo que provoca que sea una parte más dinámica. Comúnmente se le conoce cómo “coro” y suele repetirse varias veces dentro de una canción.

Puente musical: Este puede ser un elemento extra muy útil en las canciones, debido a que es un interludio que enlaza dos parte de la canción, construyendo una armonía entre ambas y con él puedes generar el clímax máximo de la canción. Por ejemplo, un solo de guitarra es un puente musical.

Cierre: La parte final de la canción es el cierre, puede ser el estribillo con un fade out o retomar la intro pero con algún arreglo que indique que es el término de la canción. 


Mas información 

Cloud Guitar, la extraña guitarra de Prince.

David Bowie dijo: “Los 80 son de Prince”, buena carta de presentación para uno de los artistas más grandes de las últimas décadas, porque si algo es Prince es eso, un artista en su máxima expresión de la palabra, un músico multifacético que destaca en muchas variedades y disciplinas. 
Prince es un magnífico cantante con gran variedad de registros, desde los más graves a los más agudos. Como compositor desde su debut en 1978 acumuló cerca de 40 discos de estudio siendo los años 80 la época de mayor éxito comercial. Después y por mutuo propio su carrera ha ido derivando hacia unos terrenos más independientes y de culto, por el camino ha compuesto para otros y puede presumir de ser el autor de los mayores éxitos en la carrera de cantantes como Sinead O´Connor (Nothing compares 2 U) o The Bangles (Manic monday). 

Su eclecticismo es total y es difícil encajarle en algún estilo particular, sus raíces vienen del soul y la música negra, James Brown, Curtis Mayfield o Sly & the Family Stone se encontraban entre sus influencias más tempranas pero a todo esto Prince le ha añadido de todo a su particular estilo, pop, rock, r&b, jazz y funk, sobre todo mucho funk. 
 
Si hay algún instrumento en el que se le puede considerar un maestro ese no es otro que la guitarra, y este artículo está para alzar la figura de Prince como guitarrista. No suele aparecer en las listas de mejores guitarristas aunque la razón es que como el genio de Minneápolis hace tantas cosas no se le suele encasillar simplemente como guitarrista, es más, no suele abusar en sus discos de sus dotes como guitarrista sino que opta por ir diseminando sus temas más rockeros y sus sólos de guitarra en pequeñas dosis. 

La extraña guitarra de Prince


Una de las razones por las que Prince no es considerado un auténtico "guitar hero" para la gran masa es precisamente por su extraordinario talento con los más de veintisiete instrumentos que este músico puede tocar con la misma versatilidad, y porque nunca ha enfocado todos sus esfuerzos en las seis cuerdas. Pero su solo en "Purple Rain" es uno de los más reverenciados de la historia de la música,  toda una lección en el control del timing, la resolución y el feeling. En esta película es donde aparece por primera vez la guitarra que nos ocupa hoy: “The Cloud Guitar”.

Esta guitarra es original de un luthier de Minneapolis, David Husain, y que trabajaba para una tienda llamada Knut Koupee y la primera data de 1983 -muchos creen que fue construida expresamente para el artista, pero parece ser que no es así-. En concreto fabricó cuatro de estas guitaras y solamente estas cuatro fueron usadas realmente por el artista según los expertos, pero existen copias numeradas y firmadas por el propio Prince -consideradas por supuesto réplicas- en varios "Hard Rock Café" por todo el mundo y que fueron construidas por el técnico habitual del artista, en lugar de Husain.

Centrándonos en la primera de estas cuatro originales el acabado que tenía era en blanco y estaba hecha íntegramente de arce, tanto el mástil como el cuerpo. Su escala era de 24,75 pulgadas con veintidós trastes y un radio de 12 pulgadas. Montaba dos pastillas EMG: humbucker activa en el puente y single coil pasiva en el mástil. Todo el herraje estaba fabricado por Schaller en acabado dorado y la cejuela estaba hecha de latón. Las incrustaciones del mástil llevaban la figura de unas picas de cartas (posteriormente incluirían el símbolo que lo hizo famoso). 

Mayor información buscarla en www. cloudguitarcentral.blogspot.com.ar

¿Cómo armar una lista de temas / set list?

Un set list es una lista de las canciones que se van a tocar en una actuación en vivo/directo.

Tener claro cómo organizar un setlist es importante cuando vas a tocar, ya que es vital tener muy claro qué canciones vas a interpretar y en qué orden vas a hacerlo para conseguir que el espectaculo lleve el mensaje que quieres transmitir a tus público.

Por supuesto, primero de todo tienes que tener claro donde vas a tocar y quien va a ser tu público.

A partir de ahí, tienes varias posibilidades para decidir cómo organizar un set list.
 
Consulta cómo organizar un setlist con tus fans
Los grupos o artistas más famosos a veces recurren a sus propios fans para que voten las canciones que quieren escuchar en el concierto y así saber cómo organizar un setlist que resulte.

¡Tú también puedes hacerlo!
Ahora es muy fácil, ya que puedes contar con la ayuda de las redes sociales para involucrar a las personas que te siguen.
Además se sentirán mucho más implicados con el show y eso les hará seguirte aún con más ganas! 

Haz que siga un hilo conductor

Si lo tienes difícil para pedir la opinión de tus fans, puedes plantear de otra manera cómo organizar un setlist.
Depende de los temas que vayas a tocar, los puedes organizar por temática según lo que diga la letra, o bien por lo que a vos personalmente te diga ese tema.

Ten en cuenta que muchas veces en los shows, tienes que hablar con tu público y que los temas sigan un orden lógico hace más fácil enfrentarse a un público.

Convierte tu concierto en una montaña rusa
La vida es como una montaña rusa, está llena de emociones que a veces vienen de golpe y otras veces nos traen periodos de calma.
Tampoco nuestro estado de ánimo es siempre igual y como se suele decir, después de la tormenta viene la calma. 

Si alguna vez has subido a una montaña rusa, sabrás de lo que estoy hablando.
Empiezas con emoción, viendo llegar el primer giro que te hace ponerte del revés.
Luego hay un momento de calma, pero inmediatamente después viene un nuevo giro que te hace subir la adrenalina.
El giro más intenso suele llegar al final.

Recuerdo una montaña rusa que casi al final del trayecto tenía una fuerte cuesta y a medida que se iba acercando la cumbre iba siendo cada vez más consciente de que lo que me esperaba después era una caída vertiginosa.
La verdad es que las montañas rusas muchas veces te causan un poco de mareo, pero es una forma bastante segura de que te hagan subir la adrenalina y esa adrenalina nos mantiene despiertos y alertas.

Muchas películas de acción se basan en este principio.
Empiezan fuerte para dar emoción desde el primer momento, luego hay una breve escena de calma y vuelve la acción y así sucesivamente durante toda la película.
De esta manera es como consiguen mantener al espectador inamovible durante todo el tiempo que dure la pelicula.

Cuando te preguntes cómo organizar un setlist debes tener presente que quieres conseguir ese mismo efecto en tu público.
 
Dales emoción al principio. 
Escoge uno de tus mejores temas para arrancar, aunque no el mejor. De esta manera conseguirás que se queden a escucharte. 
A la mitad del show puedes escoger los temas más flojos, pero no los pongas todos juntos o la gente se aburrirá y se irá. De este modo vas alternando con otros temas más contundentes.

Tengo una banda / soy solista ¿cómo puedo ofrecer mi música en Spotify?

Spotify se ha convertido en objeto de deseo de muchos músicos, no para generar grandes cantidades de dinero pero sí para tener mucha visibilidad.

Deberíamos tenerlo muy en cuenta en nuestra estrategia de marketing musical puesto es una herramienta muy potente y popular. Actualmente Spotify es uno de los reproductores de música en streaming más populares a nivel internacional, cuenta con un gran repertorio musical y cada día suman 20 mil canciones a su catálogo, pero se preguntarán: 

¿Cómo subo mi música a Spotify si no tengo discográfica o soy independiente? 

De acuerdo con el servicio de Spotify, la forma más rápida que tiene una discográfica o artista para que su música esté en el servicio es ponerse en contacto con otra empresa o con un agregador que ya disponga de un contrato y proceso de entrega con Spotify.

Por otro lado, si eres una discográfica que lleva su propio negocio digital y está capacitada para entregar contenidos mediante un feed digital por medio de plataformas como FUGA o Consolidate Independent, la forma más rápida y sencilla es unirte a Merlin Network.

Para los artistas independientes que se autopublican o pequeños sellos discográficos que no cuentan con una plataforma de entrega o un sello que distribuya su material, el siguiente enlace les indica aquellas compañías "agregadoras" que trabaja con Spotify.

Agregadores musicales
Estos son algunos de los agregadores con los que trabajamos que proveen de música de artistas sin sello discográfico a Spotify. Puedes contactar a cualquiera de ellos para tener tu música en Spotify. Puedes ponerte en contacto con alguno de ellos para agregar tu música a Spotify.

Estas son las únicas formas de que el servicio de música reciba el repertorio con el que amplia su catálogo musical todos los días; si están interesados, en cada enlace obtendrán la información necesaria para lograr el cometido y que a su vez su material quede protegido del plagio.

7 razones por las que todo artista debería estar en Spotify
1. Promueve los catálogos de artista subiendo las utilidades a nivel mundial
Cada vez los servicios de streaming generan un porcentaje de ganancias mayor para la industria musical, el ingreso de las empresas Google (con el servicio Songza), Amazon (Prime Music) y Apple (Beats Music) anticipa un golpe fuerte en este sector y probablemente, la creación de nuevas herramientas y oportunidades.

Los tiempos han cambiado y hoy en días las tres disqueras más grandes: Universal, Sony y Warner, tienen áreas que se dedican a curar y promover playlists en Spotify. Esa es la estrategia de marketing; se atrae a posibles oyentes a playlists según temáticas o géneros. En esos playlists podrían colocar nuevos tracks o algunos temas de bandas nuevas, por ejemplo, de manera que quienes lo escuchen quizás por otros artistas, también podrán oír lo nuevo y si les gusta, conocerlo y buscarlo luego.

La ventaja de hacer esto, es que esas personas que nunca te oyeron y que muy probablemente tampoco lo hubiesen hecho si les dabas primero el álbum para comprar, lo llegan a hacer. Sin duda, un servicio de streaming paga menos que el costo de descarga de una canción, sin embargo, hoy el mercado está optando por poseer cada vez menos los temas y más bien oirlos por servicios como Spotify; si lo vez de otra manera, el artista está recibiendo dinero cada vez que alguien escucha su canción y esto era algo que con la piratería no sucedía.

2. Los playlists pueden lanzar y promocionar un hit
El portal de Tunecore puse de ejemplo al hit de Mr. Probz “Waves”. Cuando se lanzó en verano, se oia un millón de veces por día en Spotify. Esto ocurrió en verano y para abril, ya estaba en en top 40 de US Spotify. Esto, fue gracias a los playlists,  y la método de búsqueda de temas que ellos llaman como: lean back, en el cual uno puede encontrar, oír y si te gusta tener los playlists de otras personas que ya han hecho uno.

3. Los servicios de suscripción permiten cultivar a artistas nuevos
Spotify, hoy disponible en 60 países está permitiendo compartir un componente muy importante: información, en este caso musical. Los usuarios hoy buscan bandas nuevas, uno quiere oír más música, y el gran catálogo de los servicios de streaming lo permite. El repentino boom de Lorde, por ejemplo, fue impulsado en gran parte por el equipo de Spotify, que notó cómo la artista nueva iba ganando cada vez más difusión, sin haberse vuelto aun una estrella internacional.

4. Menos piratería
Esto ya se mencionó antes. Existe un antes y un después de los servicios de streaming. Hace unos años, la mayor cantidad de usuarios que no podían o querían necesariamente comprar un disco, lo descargaban gratis. Pero hoy, servicios como Spotify te permiten oirlo, por lo que la piratería ha decrecido, y esto es una gran noticia para los artistas alrededor del mundo.

5. Los servicios de suscripción hacen que el consumidor promedio de música consuma más
Las ventas por descarga digital no han reemplazado a las ventas físicas que vienen cayendo hace mucho. En EEUU, solo el 45% de la población online compra música de alguna u otra manera. El promedio de gasto anual de esta minoría, es de $55.45. Un consumidor Premium de Spotify invierte $120 al año por el servicio ($10 por mes, por 12 meses). Es prácticamente el doble, y el servicio y meta de Spotify es que siga creciendo, de manera que se generen aun más ganancias para los artistas.

6. Promoción gratis
Compartir la música que escuchas en Spotify es muy fácil. Inclusive ahora Facebook te indica qué canción estás escuchando, de manera que uno mismo se puede convertir en un promotor de alguna canción en el momento en que la escuchas o compartes. De esta manera, los propios usuarios y fans están generando constantemente promoción a las bandas y/solistas que siguen, y al multiplicar esto por la gran gama de redes sociales que cada uno maneja, las posibilidades de llegar a nuevas personas se vuelven mucho más amplias.

7. El streaming ya ganó gran parte de la industria
Lo muestran los números y el propio comportamiento de las personas. En este momento las ganancias por streaming ya superaron las ganancias por ventas físicas y se estima superen a aquellas dadas por las ventas online.

Así es muy probable que pronto, el streaming se convertirá en una de los principales, -y a lo mejor la principal-, fuente de ingresos tanto para artistas mainstream como independientes.

Mayor información http://www.spotifyartists.com/

Pedal de efectos

Un pedal de efectos (stomp box en inglés) es un dispositivo electrónico utilizado para alterar el sonido de una fuente. Al ser un artefacto electrónico, la fuente debe ser igualmente electrónica, por lo que sólo pueden ser útiles en una cadena de captura de sonido que se alimente de corriente eléctrica. Se utiliza mayoritariamente en el ámbito musical, tanto en grabaciones como en vivo.

Los más comunes son: Distorsión, Estática, Octavador, Compresor, Saturación, Trémolo, Chorus effect, Reverberación, Delay, Ecualizador, Wah-wah, Flanger, Boost, Sustain o Phaser.

El pedal se conecta a la cadena de señales usando dos conectores o "Plugs" de 1/4" también llamados "conector de audifonos". Algunas cajas de efectos tienen salidas estereofónicas por medio de dos salidas monoaurales y solo algunas tienen conectores estéreo para entrada y salida en uno (aunque esto es poco común). Varios pedales pueden conectarse juntos en cadena. Cuando un pedal está apagado o inactivo, la señal pasa de manera pasiva por el pedal, por lo que no se ve alterada, hacia los otros pedales conectados a la cadena de modo que cualquier combinación de efectos en la cadena pueda ser creada sin tener que conectar y desconectar cajas de efectos al estar en una presentación o ensayo. 

La señal puede ser direccionada a través de las cajas de efectos con cualquier combinación, pero lo más común es poner la señal de distorsión o el pedal de Wah wah al principio de la cadena; los pedales que alteran el tono o color del sonido en medio; y las cajas que afectan la resonancia, como delay, eco o reverberación al final (ya que si tras un eco se pone una distorsión, aparecerá irremediablemente la distorsión por intermodulación. 

También pueden ser usados junto con otras unidades de efectos.



Son llamados pedales porque están situados en el suelo y tienen grandes botones en la parte superior que son activados presionando con el pie, dejando de este modo libres las manos para poder seguir tocando. Algunos pedales, como los wah-wah o los de volumen, también son manipulados mientras están en operación moviendo una plataforma para el pie que a su vez activa un potenciómetro, incluso, en pedales más modernos este mecanismo se ha remplazado por un sistema óptico que evita el desgaste de las piezas y el posterior ruido.

Tengamos eso claro desde un primer momento, el alma la ponemos nosotros y la electrónica va por otro lado. Se puede sorprender al oyente con alma y sin electrónica pero no al revés. 

Supresor de ruido (Noise supressor/ Noise Gate Pedal)
Por ruido entendemos todo sonido inarticulado que nos parece desagradable. El ruido simplemente es, por lo general, "todo aquello que va con los sonidos"; se considera ruido a todas las perturbaciones eléctricas que interfieren sobre las señales transmitidas o procesadas. 
Un pedal supresor de ruido lo único que hace es eliminar esas interferencias en el tono, que pueden ser causadas por muchas razones (por estar tocando con pastillas simples y tener hum o zumbido de sesenta ciclos, por estar tocando con altas dosis de saturación o distorsión; o por haber aparatos electrónicos cerca, otros amplificadores, etc. El pedal supresor no debe en ningún momento interferir en la señal original ni en su envolvente y debe interferir en el ataque natural del instrumento. 

Compresión/limitación o pedal compresor (compressor/limiter)
Un compresor es un procesador electrónico de sonido destinado a reducir el margen dinámico de la señal. Todo pedal compresor puede ser utilizado como limitador. Sin embargo, en formato rack y en mezcla y mastering podemos encontrar estos efectos separados. En el mundo de la guitarra es muy poco usual encontrarnos un pedal que exclusivamente limite. Siempre hablaremos de compresores. Un compresor actúa de forma que atenúa la señal eléctrica en una determinada cantidad (medida normalmente en decibelios) y a partir de un determinado nivel de entrada. El objetivo es conseguir que la excursión dinámica resultante sea inferior a la original, proteger ciertos equipos frente a los posibles picos de señal o si se trata de un sonido saturado intentar disimular el error. Un compresor reduce el rango dinámico. Por el contrario, un limitador lo que hace es cortar totalmente a partir de un umbral específico. 

Ecualización. Pedal ecualizador (EQ)
Un ecualizador es un dispositivo que procesa señales de audio. Modifica el contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello, cambia las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos. De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.
Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. 
Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios. Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal. En el mundo de la guitarra el más común y el que nos vamos a encontrar en los pedales es el ecualizador gráfico. Nos permite dividir esta señal en diferentes bandas de frecuencia, pudiendo alterar la ganancia de cada banda de forma independiente. Su nombre viene dado por la disposición de los potenciómetros deslizables , colocados de forma que permite visualizar la compensación realizada. 

Booster
Este punto es un tanto controvertido ya que tanto el boost (literalmente "empuje", "incremento") como el overdrive (saturación) y la distorsión están en la misma categoría. De hecho hay mucha gente que no conoce la diferencia entre booster y overdrive, al igual que muchos tampoco aciertan a diferenciar overdrive de distorsión...Y estos son conceptos que debemos tener muy claros porque muchas veces no conseguimos acercarnos a algunos de nuestros sonidos favoritos precisamente porque no sabemos qué necesitamos.

Un booster cumple una función que tiene muchos parecidos con un overdrive pero que también tiene muchas diferencias. En un overdrive encontraremos un recorte de graves, unas variaciones en los agudos que nos darán ese golpe extra que buscamos al usar la saturación por pedal. Usando un booster lo que tendremos será un aumento de la señal que hará que las válvulas se saturen, en transistores nos aumentará la presencia de la guitarra y si lo aplicamos en un amplificador limpio nos subirá el volumen. A esto hemos de sumar una importantisima variación: los booster de una frecuencia específica. Hay booster en los que podemos regular varias frecuencias pero también tenemos booster de agudos y bosteer de graves. 

Overdrive y distorsión
Son dos cosas distintas que debemos saber distinguir. El overdrive es el término inglés para "sobrecarga". El sonido limpio de los primitivos amplificadores valvulares se rompía al alcanzar el volumen al que las válvulas saturaban. 

Los pedales de distorsión son mucho más potentes y fríos que los overdrives. Por lo general también más agudos. Con ellos se busca el sonido de alta ganancia y no se presta tanta atención a la dinámica. Son prácticamente exclusivos de la música metal y sobretodo en las variantes más extremas. Se busca un sonido cortante y directo con ganancia de sobra. 

Un caso especial de overdrive lo tenemos con los pedales Fuzz. El fuzz es uno de los sonidos característicos de muchos guitarristas, principalmente el responsable de que muchos adoremos este tipo de saturación es Jimi Hendrix. Parece ser que una mesa de mezclas defectuosa fue la "culpable" del nacimiento del Fuzz. El inglés es un idioma tremendamente onomatopéyico y el nombre de este pedal hace, precisamente, referencia al zumbido que envuelve el sonido de esta saturación. De hecho como se narra en algunas entrevistas al grupo The Who, en sus inicios rajaban los conos de los amplificadores para obtener ese sonido. Es el overdrive más particular del que hay muchísimas variantes. Es bastante más incontrolable pero a cambio nos da un timbre muy característico e identificable. Algunos de los mejores solos de la historia del rock tiene ese sabor único precisamente por estar envueltos en ese pequeño halo nebuloso y hasta cierto punto difuso que otorga el fuzz. 

Información adicional en Inglés




¿COMO CALIBRAR UN BAJO?

Los pasos principales para el correcto ajuste de nuestro bajo, debemos asegurarnos de haber colocado correctamente las cuerdas (es recomendable aprovechar el cambio de cuerdas para realizar los ajustes). 
Una colocación correcta sería por ejemplo asegurarse de que al enrollar la cuerda sobre el clavijero, no montamos unas vueltas de cuerda sobre otras, esto es esencial, para que después una vez tensas y ajustadas no se muevan mas y no se nos desafine el bajo en el momento mas inesperado. 

Además como consejo es bastante recomendable dejar el suficiente sobrante de cuerda al cortarla como para poder enrollar bastantes vueltas de cuerda y conseguir así que el punto de "partida" de la cuerda hacia la cejuela esté bastante abajo, aumentando así el ángulo de la cuerda sobra la cejuela, y por tanto manteniendo una mayor presión sobre ella. 

Una vez colocadas las nuevas cuerdas, se afina para que el mástil reciba la tensión con la que lo vamos a ajustar, pues lo primero que deberemos ajustar será el alma, para encontrar el equilibrio correcto entre la fuerza de las cuerdas y la del alma (son fuerzas que se contrarrestan, el ajuste consiste en equilibrarlas hasta cierto punto) 
La entrada a la cavidad del tornillo de ajuste del alma puede estar en la pala o en la base del mástil, dependiendo del modelo de bajo, puede también ser un modelo con dos almas, en cualquier caso el método de ajuste suele ser el mismo. Se aprieta girando en el sentido horario, y se afloja en el sentido contrario. 
En este ajuste (el más peligroso de todo el proceso) hay que andarse con mucho ojo, no dar mas de un cuarto de vuelta por vez, y aun así, no debería costarnos más de media vuelta en total ajustar correctamente un instrumento, de ser así, existiría algún problema más serio que nos estaría invitando a hacer una visita al luthier. 

Para comprobar si necesitamos dar más o menos relieve al mástil, (a este ajuste de alma también se le llama así) podemos ayudarnos de una cejilla, para colocarla en el traste 1, con el dedo pulsamos en el primer traste del mástil que hace "contacto" en el cuerpo (me refiero a donde el mástil ya está encastrado en el cuerpo del bajo, a esa altura...) y medimos hacia la mitad de estos dos puntos (suele caer sobre los trastes 7-9) la distancia de la cuerda de mayor calibre a la parte superior del traste, podemos considerar como un buen ajuste un intervalo que situaría entre los 0.5mm y los 1.2 mm. 

Si la distancia es mayor deberemos apretar un poco (UN POCO!!) el alma, sentido horario. Si la distancia es menor, (prácticamente la cuerda toca el traste) hay que aflojar un poco.

En todo este proceso, hay que tener paciencia, porque la madera puede tardar un tiempo en adaptarse totalmente a los cambios...así que es prudencial esperar unas horas en cada cambio, empezando desde la puesta de cuerdas, y continuando por cualquier giro de alma, que repito una vez más, deben hacerse con mucha precaución. Un bajo con el relieve del mástil ajustado gana muchísimo en comodidad, pero aun podemos mejorarlo, sin meternos en trabajos de luthería más avanzada. 
Para ello seguimos por el ajuste de la altura de las cuerdas. Por extraño que parezca a muchos, rara vez un diapasón (sea de guitarra eléctrica o bajo) es totalmente plano, tienen cierta curvatura llamada "Radio", a la hora del ajuste de la altura debemos tener esto en cuenta, la mayoría de puentes actuales permiten un ajuste totalmente individual por selleta/cuerda, con lo cual esto no nos debe suponer un problema. 

Por ejemplo, yo suelo medir la altura de la acción en el traste 24, principalmente por que me fío de "mis" mástiles y se que si consigo allí una buena acción sin trasteos, lo habré conseguido a lo largo de todo el mástil. Por supuesto esto es aplicable a cualquier mástil con el relieve correctamente ajustado y que aguante dicho ajuste sin problemas. Una acción habitual catalogada como "baja" sería de unos 2-2.5 mm en el traste 24, yo habitualmente trato de poner los mástiles a punto para poder ser utilizados con una acción de 1.3/1.5 mm en el mismo punto, para que así digamos "vayan sobrados" para sonar perfectamente con el ajuste a 2mm. 
Dicho ajuste (1.3/1.5mm) suele ser demasiado bajo para la mayoría de bajistas, porque requiere una precision extrema a la hora de tocar y sonar totalmente limpio, ya sabemos que las leyes de la física no son quebrantables y con esa acción si se toca un poco más fuerte de lo normal, la amplitud de la vibración de la cuerda (en especial las graves) va a tocar traste, y tener una perdida de sonido en consecuencia. 

Es recomendable seguir en cada cuerda una altura similar, recordar que el diapasón no es plano...con lo cual cada cuerda seguirá la curva marcada por el diapasón y trastes, y a su vez las agudas a la vista estarán más bajas que las graves, debido a su menor diametro, pero en realidad la distancia medida desde el inferior de la cuerda a la corona del traste debe ser similar. Una vez ajustadas las cuerdas a la altura deseada, el tacto habrá mejorado más aún. 

Llega la hora de empezar a ajustar temas de sonido, el quintaje es esencial para tocar "afinado" en todo momento. Hay varias formas de hacer esto, un método sencillo, que se recuerda fácilmente, y que se puede llevar a cabo con cualquier afinador electrónico, se trata de conseguir en cada cuerda que pisando al aire, en el traste 12 y en el 24 sucesivamente el afinador nos diga siempre que estamos correctamente afinados en la nota que corresponda. 
Para ello usamos los tornillos que desplazan las selletas hacia delante o atrás, con esto conseguimos una compensación de escala, ligeramente distinta para cada cuerda, cosa necesaria debido a la diferencia de calibre entre éstas. 

Sabiendo esto tratamos de afinar con exactitud el bajo con las cuerdas al aire, y comprobamos el estado de la afinación en el 12, si el afinador nos dice que estamos más grave debemos mover la selleta hacia el puente (es decir, acortar la distancia de la cuerda), movemos un poco, tampoco es conveniente hacer cambios bruscos a no ser que ya tengamos experiencia.

15 CONSEJOS PARA MÚSICOS EN TWITTER

Sea específico y detallado en quien es usted y que tipo de música es la que interpreta. Dar una descripción detallada en su perfil acerca de su tipo de música.

1. ¿De que trata tu música?
Siempre incluya un sitio web o un enlace de vídeo de su música que sus seguidores pueden visitar.

2. Construir tu audiencia
No limite la audiencia a su seguidores. Amplíe y cree su propia base de fans.
Analice la posibilidad de conocer a esas personas y sea interactivo con ellas. Los seguidores tienden a eliminarlo si ellos sienten que no hay respuesta de usted.
Sigue a la gente y artistas que comparten tus mismos intereses. Esta es una forma de ampliar tu base de fans que antes no estaba disponible.

3. Hacer alguna búsqueda
Búsqueda de personas que están en la música, específicamente aquellos que tienen intereses en tu género o tipo de música.
Puedes comenzar por hacerlo localmente. Conectar con otros artistas locales y verificar sus tweets para ver si hay algún concierto en su área en el que puedas involucrarte.
Una vez que consigas ser famoso de forma local, será fácil de promover tu música a nivel nacional, incluso en todo el mundo.
Utiliza la opción de búsqueda avanzada para tu Twitter search o utiliza  herramientas de Twitter como TweetAdder para encontrar otros artistas en Twitter en tu área.

4. Comparte tu música
Haga Tweet  de sus vídeos en YouTube, MySpace por medio de enlaces o vaya en vivo por UStream.
Cualquiera de estos medios permiten que la gente escuche tu música y mientras más gente escuche tu música, mejores probabilidades de difusión.

5. Colaborar con otros artistas y bandas
Esta es una gran manera de ampliar tu red.
Buscar artistas populares en tu género.
No sólo tienes que seguirlos, relaciónate con ellos.

6. Se Personal
Sí eres músico, y te gusta hablar de música todo el tiempo. Pero ¿no es mejor ser más interactivo?
Tweetea sobre tus canciones favoritas o lo que estás haciendo, incluso si es sólo ensayos o música experimental.
Esto le daría a la gente una idea de tu vida para que puedan conectarse contigo a nivel personal. Diviértete con tus Tweets!

7. Utiliza #Hashtags
Los Hashtags son muy útiles a la hora de fomentar la música. Su funcionalidad ayudará a la gente a encontrarte fácilmente.
Ponga un hashtag en palabras clave específicas para no confundir a tus seguidores.

8. Comparte fotos
Las acciones hablan más fuerte que las palabras, por así decirlo, la gente no se conforma con solo verte a ti o a tu banda en Google.
Publicar sus imágenes en Twitter te ayudará a crear tu imagen, no limites tus imágenes solo a conciertos o haciendo grabaciones. Pon las fotos de tu familia y tus amigos. Una imagen vale más que mil palabras.

9. Llega a tus Fans para que ellos te promocionen
La audiencia o base de fans es importante para determinar el éxito o el fracaso. No sólo sea un medio de radiodifusión, comuníquese y cree relaciones con sus seguidores.
Relaciónate con tu audiencia. De esta forma tus seguidores, serán capaces de promover tu música y a ti. Esto es similar a la estrategia de mercadeo de “boca a boca” que proviene de un alto nivel de servicio al cliente. Al comprometerte con tu público, tus seguidores te ayudarán a acelerar tu popularidad y tu música.

10. Crea un Concurso en Twitter
Los concursos son siempre divertidos. Haga un concurso Twitter para su base de fans. Hacer un concurso de fotografía o juego de adivinanzas de las letras de tus canciones.
Sea lo que sea, sorprenderás de esta forma a la gente que participe y el hecho de tener un concurso en Twitter también da una buena impresión a tus seguidores.

11. Toma tiempo para Retwittear (RT)
Sigue tus artistas favoritos o bandas y dales retweet. También retwittear interesantes actualizaciones y las declaraciones de tus seguidores. Se sentirán halagados al saber que lees sus tweets.

12. Pide opiniones
A la gente le gusta opinar. Pide opiniones a otros artistas y a seguidores. Esto te ayudará a determinar tus puntos fuertes y débiles como músico y mejorar lo que haces.

13. Promociona tus espectáculos y conciertos
Twitter es la mejor manera de comunicarse con un montón de gente. Siempre que se tenga conciertos o presentaciones en vivo, asegúrate de mantener a tus seguidores informados. A menos que sea un concierto gratuito, asegúrate de proporcionarles detalles importantes como donde comprar los boletos y cuánto cuestan.
No te olvides de dar la fecha y hora exacta.

14. Enlaza tus perfiles de medios sociales
Enlaza  tu cuenta de Twitter desde tus otros medios sociales como Facebook, Instagram y Pinterest. Muchos de tus seguidores de Twitter tienen cuentas en otros medios de comunicación social, esto ayuda a  ampliar tu red y base de aficionados, así como ganar más seguidores. Como músico, puedes utilizar herramientas de Twitter que te ayudarán a promocionar tu música a través de los medios de comunicación social.

15. Hacer un Show Gratuito En Vivo online
Puedes utilizar software libre de streaming en directo para hacer un show en vivo. Incluso he visto músicos cobrar por  shows en vivo, pero es necesario tener una audiencia considerable antes de hacer esto.
Haga crecer su audiencia con música gratis y libre en línea como muestra, será una inversión que se pagara más tarde, cuando sus seguidores se hayan convertido en verdaderos aficionados que compran su música y van a sus shows.