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La voz de Bob Dylan

Desde el principio Dylan sabía que no cantaba como un Frank Sinatra o un Bing Crosby. Afortunadamente, en lugar de audicionar en concursos, lo hizo ante el legendario buscador de talentos John Hammond, quien había descubierto ya a Billie Holiday, cuya voz también era una “extraña fruta” en el mundo del jazz. 

Apenas un par de años después de su debut discográfico, el documental Don´t look back (1967) mostraba los problemas que tenían los periodistas para etiquetar a Dylan: ¿Cantante folk?, ¿cantante de protesta?, ¿anarquista? Una de las dificultades para categorizarlo tenía que ver con su peculiar “estética” vocal. En una escena le dice burlonamente a uno de ellos: “Yo canto tan bien como Enrico Caruso, tiene que fijarse mucho, pero al igual que él alcanzo todas las notas y puedo aguantar la respiración”. 

Dylan cantante es tan importante como compositor y letrista.
En la revista RollingStone, Bono le dedica un breve ensayo en estos términos: “Hizo lo que muy pocos cantantes han podido hacer: cambiar la manera de cantar canciones populares” y enumera una serie de adjetivos para describirla: “seductora”, “implorante”, “confesional”, “furiosa”, “conversacional”, “indignada”. El irlandés concluye diciendo que con el tiempo Dylan logró que su misma voz fuera tan elocuente como su poesía. 

Su gracia no era tanto que su voz fuera tan radical, ahí estaba ya Louis Armstrong con su canto crujiente de fama mundial. Y también le antecedían cantantes de blues, country, folk y rock and roll, que no eran precisamente unos crooners, que buscaban transmitir alma antes que lograr la pureza interpretativa. Lo que él cimentó fue la idea del cantautor poeta: aquel que muestra las imperfecciones de su voz como una desnudez cruda y brutal. En ese sentido, ayudó a que cantantes imperfectos como Lou Reed, Tom Waits y Elvis Costello fueran más creíbles que Plácido Domingo, José Carreras y Luciano Pavarotti. 

Aparte de no ser agradable para los estándares pop, hay otro aspecto problemático en su voz: es fácil de caricaturizar. Tiene un estilo que se antoja para la parodia, un poco a la manera en que el Elvis Presley de Las Vegas es fácilmente clonado. En ese sentido, tiene más mérito ver a Jimmy Fallon imitando a Neil Young, que a Dylan. Pero igual que sucede con el Rey del Rock, quienes no lo conozcan más que superficialmente, se quedarán con la falsa impresión de que aborda sus canciones de la misma manera, cuando una de sus principales cualidades es la versatilidad. 

Phil Spector decía que Elvis era más que cantante, un verdadero intérprete, a la manera de un actor. Algo así ocurre con Dylan, pero mientras Presley se mete en su papel de canción a canción, Dylan puede incluso hacerlo de estrofa a estrofa, e incluso de verso a verso. Puede no gustarle a mucha gente, pero no se le puede negar su oscilante expresividad. 

Quejándose del esfuerzo que le suponía cantar, Kurt Cobain llegó a comentar que le hubiera gustado seguir el camino de Dylan para no forzar tanto su garganta. Pero la elemental dinámica de las canciones de Nirvana no tiene comparación con la permanente ondulación de la voz de Dylan. No es tan monótono como Leonard Cohen o Lou Reed, y en el otro extremo no es tan exagerado como Tom Waits. Bono lo compara con Marlon Brando, el mejor actor de su generación. 

Dylan puede contar cuentos, con diálogos incluidos, como lo hace en “Tweeter and the monkey man” o “Tweedle Dee and Tweedle Dum”, puede sonar parrandero en “Rainy day women”, predicador en “The times they are a-changin’”, animado en “Watching the river flow”, hosco en “What was it you wanted”, suplicante en “Congratulations”. 

Pero no toda su riqueza es emoción y textura, también está el ritmo: puede cantar deprisa en “Subterranean homesick blues” o crear un lento vals macabro en “Man with the long black coat”, puede girar como carrusel ondulante en “Thunder on the mountain” o tomarse su tiempo como en “What good am I”. Elton John lo pone así: “No es Tony Bennett, pero nadie frasea como él”. 

Es interesante detectar la influencia de Dylan en la voz de otros cantantes famosos. No todos los casos son obvios: Pete Townshend ha confesado que la interpretación de Roger Daltrey en “My generation”, la canción más emblemática de The Who, no hubiera sido posible sin tenerlo a él como inspiración, pero no es tan fácil dar con la semejanza. Sin embargo, sí es posible encontrar el rastro de su veneno disimulado entre los momentos más campiranos de Beck, entre las canciones más narrativas de Elvis Costello, entre las elevaciones más ásperas de Joaquín Sabina, todos ellos confesos admiradores del de Minnesota. 

La imitación es más clara en “There she goes again” por Lou Reed, “Don´t come around here no more” por Tom Petty, “Catch the wind” por Donovan o “Jimmy Jazz” por Joe Strummer; ni se diga en “Sultans of swing” por Mark Knopfler o en “Sleeping in the devil´s bed” por Daniel Lanois. Aún John Lennon, quien llegó a burlarse de su forma de cantar, no pudo evitar sonar como él en “You got to hide your love away” o en “Working class hero”. Más evidente aún: David Bowie en “Song for Bob Dylan” le manda un mensaje utilizando su voz como espejo. 

Su voz hoy
La voz de Bob Dylan nunca ha sido precisamente bonita, no sería el adjetivo que mejor la define, y no es que Bob cante mal, pero es dueño de una voz de por sí nasal y ajada en los últimos años, casi como si fuera el “hombre del saco” de la canción tradicional y de raíces americana. 
Es normal que cambie la voz con los años, que se pierda, y Vulture ha hecho un curioso estudio fisiológico de la voz de Dylan.

A pesar de que ciertamente la música de Dylan nunca se ha apoyado en la pureza de su canto, en los últimos años la arena en la voz de Bob ha pasado de fina a extra-gruesa para acabar siendo como de papel lija (David Bowie dijo que la voz de Bob es “arena y pegamento”).

¿Por qué suena así su voz?
“La parte superior del rango de tono de Dylan se ha reducido, por lo que no puede acceder a ciertos tonos. Cuando él está tratando de subir el tono con ciertas palabras y frases, la voz se vuelve áspera. En general el tono que utiliza es más bajo.”
La explicación fisiológica es que las cuerdas vocales son básicamente músculos debajo de capas de colágeno y una sustancia acuosa llamada ácido hialurónico.

“A medida que se envejece, se pierde masa muscular. La capa comienza a perder colágeno y ácido hialurónico, así que las cuerdas vocales se “caen”, al igual que lo hace la piel. 
Produces una voz al tener las cuerdas vocales en contacto entre sí y soplando aire, así que si las cuerdas vocales no pueden ponerse en contacto entre sí, entonces ya no podrás producir un sonido tan fuerte.”  De ahí la delgadez sofocada de la voz actual de Dylan.

¿Cómo podría tener su voz como al principio?
Como muchos de sus compañeros de los 60s, Dylan era fumador, y los cigarrillos pueden causar cambios estructurales significativos en las cuerdas vocales, poniéndolas “gordas e hinchadas”, lo que se traduce en “sonido gruñón”. El desgaste vocal y desgarro de un músico que hace 30 años se embarcó en un “Neverending Tour” inacabable.

“Los horarios de los músicos son bastante malos. Tocan tarde, muchos de ellos terminan de comer después de sus actuaciones y se van directamente a la cama a la 1 o 2 de la mañana, por lo que se van a dormir con el estómago lleno. Y eso es una mina para el reflujo de los ácidos, que puede causar inflamación en la región de la garganta y laringe. Del mismo modo, la falta de sueño no le da a las cuerdas vocales de un cantante la oportunidad de recuperarse.”
Los lugares de concierto secos y polvorientos son una causa de deterioro a largo plazo de las cuerdas vocales. “La superficie que recubre las cuerdas vocales termina teniendo pequeñas mellas, por lo que no puede vibrar como debería.”

¿Su daño vocal es reparable?
Las cuerdas vocales dañadas no son un “trastorno médico”, lo que significa que todavía tienen la capacidad de “conseguir lo que lograban antes.” 

“Los músculos de contracción rápida en las cuerdas vocales no son como otros músculos. Una solución común es trabajar para construir el flujo de aire con ejercicios y modificaciones del comportamiento. 
Más allá de eso, hay medidas quirúrgicas disponibles que son comparables a los tratamientos con colágeno antiarrugas de ablandamiento”.
“Se pueden inyectar materiales que esencialmente le darán a las cuerdas vocales más cuerpo. Eso le puede dar un mejor contacto entre ellas y mejor volumen. Si le das a las cuerdas más volumen, puede aumentar tu rango de tono.”

La voz de Bob Dylan a través de los años.

 

Fuentes de referencia: 
Francisco Treviño Elizondo / Dr Milan Amin (Director del Centro de la Voz de New York)

Mark King

Mark King es un músico británico de la Isla de Wight. Más famoso por ser el cantante principal y el bajo de Level 42. A principios de los ochenta, revolucionó el estilo slap and pop tocando el bajo, convirtiéndose en uno de los bajistas más infuyentes de su generación.
(La Isla de Wight, un islote apenas alejado de la costa meridional de la isla principal del Reino Unido. En una entrevista que se le hizo en un periódico local en 2006, dijo que "era como si hubiera pasado una guerra, con un solo grifo, un inodoro fuera de casa y una bañera de zinc junto al fuego" )

En un principio, Mark buscaba una carrera profesional como baterista y se transladó a Londres a los 19 años. En 1979, formó el grupo Level 42 con Mike Lindup, con sus paisanos isleños, los hermanos Phil y Boon Gould. Pese a ser un consumado baterista, y con la necesidad de un bajo, Mark King tomó este puesto, en principio, sólo por necesidad. Perdió su batería en un viaje a Austria, teniéndola que vender para pagar el pasaje de vuelta a Londres. Además que el grupo ya contaba con un baterísta, tocar el bajo era el puesto más lógico para Mark.

Aparte de Level 42, Mark prestó sus propios servicios como bajista en otros grupos. Fue invitado por Nik Kershaw para tocar en su segundo álbum "The Riddle" (1984) y por Midge Ure para tocar en sus álbumes "The Gift" (1985) y "Answers To Nothing" (1988).

Level 42 colaboró con el grupo The Police en 1981, seguido de giras con Steve Winwood en 1986 y Madonna en 1987. En 1986, King y Lindup participaron en un concierto benéfico junto con artistas de la talla de Eric Clapton, Phil Collins, Mark Knopfler y Elton John.

Su estilo musical 

A Mark King se le conoce mucho por su estilo slap and pop. Esta forma de tocar el bajo fue inventada primero por los que tocaban el contrabajo allá en los años 1920, usando la palma de la mano para golpear y punteando las cuerdas con sus dedos. Este estilo fue reintroducido en el bajo elèctrico por artistas como Larry Graham, Stanley Clarke o Louis Johnson, en la escena del funk y del jazz. Mark King adquirió una gran destreza musical utilizando esta técnica. Además, introdujo y desarrolló nuevos elementos técnicos que le permitieron producir una mezcla de efectos percusivos en su repertorio con el bajo.

Además, toca con una extaordinaria rapidez y fluidez, encadenando una serie de semifusas en su espectacular forma de tocar. En sus conciertos en directo, mostraba su destreza y estilo de mano rápida en cada tema.

Aunque Mark ha tocado varios modelos de bajo en su carrera artística, las marcas que más ha utilizado son Jay Dee (en "Love Games"), Status Graphite (en sus trabajos en solitario), o Alembic. La gran mayoría de los bajos que obstenta están fabricados a medida y de manera artesanal.



Muddy Waters

Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense, generalmente considerado el Padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del Blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de los años 60.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide.
Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, y B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago".

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus giras por Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, el primer antecedente de una banda amplificada haciendo algo cercano al Hard rock allí (uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su reseña, ya que la música estaba demasiado alta). Entre sus admiradores prominentes en la escena Rhythm & blues inglesa de los años 60, sobresalen los Rolling Stones, quienes se bautizaron con ese nombre por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues".

Eric Clapton es un gran admirador de Waters, quien fue una importante influencia en sus años formativos. Su banda Cream grabaría una versión de "Rolling and Tumbling" en su álbum debut Fresh Cream, de 1966. El gran éxito de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready". Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call", "Mannish Boy" o "I've Got My Mojo Working" (compuesta por Preston Foster).

Jimi Hendrix, quien versionaría la mencionada "Rollin' Stone" ("Catfish Blues"), citó a Waters como "el primer guitarrista que le llamó la atención y le impresionó de joven". Por su parte, el guitarrista y líder de AC/DC, Angus Young, menciona a Muddy Waters como una de sus mayores influencias, y el título de su canción "You Shook Me All Night Long" (del álbum Back in Black), viene del tema "You Shook Me", compuesto por Willie Dixon, y popularizado por Muddy ("You Shook Me" también fue grabado por Led Zeppelin para su álbum debut de 1969).

Su última aparición en vivo fue durante un concierto de Eric Clapton en Florida, en el otoño de 1982.

Muddy Waters murió de ataque al corazón mientras dormía, en Westmont, Illinois, el 30 de abril de 1983, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

¿Quién es Nile Rodgers?

El héroe de los hits simples y pegadizos
Músico, productor musical, compositor, arreglista y guitarrista estadounidense, conocido por haber sido co-fundador del grupo Chic junto a Bernard Edwards, y de otros numerosos proyectos musicales. Se codeó con el éxito varias veces a lo largo de los años. Su carrera, paradójicamente, casi siempre lo tuvo a él como una figura poco protagónica.

Nile Rodgers es un guitarrista neoyorkino que actualmente sigue en los escenarios tocando las melodías que fundaron la música disco. Nile crea una relación con otro músico de sesión que tocaba el bajo llamado Bernard Edwards y pronto comienzan a ensayar con el baterista Tony Thompson en 1976 al ritmo de la emergente música disco – funk, dando origen a la banda ‘Chic’.

A pesar que la banda funcionó en el periodo 1976 – 1983, los músicos siguieron trabajando como músicos de sesión colaborando con sus pares y las compañias discograficas.
Aunque Chic no tocara Nile y Bernard compartieron junto otros proyectos con diferentes músicos. Por ejemplo en 1983 trabajaron juntos en el álbum de David Bowie Let’s Dance y en 1985 el Like a Virgin de Madonna. Duran Duran trabajó intensamente con Rodgers quien les produjo éxitos como The Reflex y The Wild Boys. También trabajó con John Taylor y Andy Taylor en el proyecto Power Station. 

Pero en cuando llega la primavera de los 90, ‘Chic’ decide reaparecer y componer nuevamente. En 1992 graban para Warner Bros Record el álbum Chic-Ism y esta vez sus integrantes tomaron más en serio realizar las giras de promoción del disco. En 1996, estando Chic en una gira en Japón, el bajista Bernard Edwards y coautor de la mayoría de los éxitos de la banda enferma y fallece de neumonía.

Este habría sido un golpe tremendo para los otros dos músicos fundadores y tanto Tony como Nile, deciden colgar los guantes.

Nuevamente llega 1998 y a impulsos del guitarrista Rodgers, ‘Chic’ reaparece en breves espacios en presentaciones, pero otro duro golpe recibe la banda cuando se le diagnostica un cáncer renal al baterista Thompson que se lo lleva en poco tiempo en el 2003.

Nile Rodgers siempre dijo que el mejor tributo que pueden recibir sus amigos caídos era seguir tocando su música. Y de esta forma cada tanto se reúne con sus coristas y otros músicos para mantener vigente la música disco de ‘Chic’, que hicieron éxitos en los dorados 70’ y 80’.

Fabricante de hits
“Tal vez no me conozcan por mi nombre, pero seguro escucharon al menos una de mis canciones”, dice Nile Rodgers en el gran documental en su honor titulado The Hitmaker. 
El brillante guitarrista, compositor y productor está en lo cierto, porque si tuviese que escribir su CV los nombres que aparecerían son apabullantes. Fue clave para obtener el sonido y el “groove” (esa materia escurridiza que se llama “onda”) en discos como Let´s dance (David Bowie); Like a virgin (Madonna); Original sin (INXS); Notorius (Duran Duran) y She´s the boss (Mick Jagger), entre una lista interminable.

Disco, baby, disco
Pero todo eso lo logró gracias a la fama bien ganada con Chic, la banda que fundó junto a su amigo Bernard Edwards en su Nueva York natal, a fines de los ’70. El grupo fue una figura clave en el funk y el movimiento conocido como “disco fever”, esa fiebre que conquistó las pistas de baile y puso a todos dentro de camisas de cuellos grandes y pantalones Oxford. Everybody dance; Dance, dance, dance; Le Freak y Good times (con la base de bajo que terminó siendo la piedra fundamental del hip hop) fueron algunas de las canciones que le dieron popularidad a nivel global. El ritmo que marcaba su mano derecha sobre su clásica viola Fender Stratocaster rápidamente incitaba al baile por sobre cualquier pena.

Bajo perfil
Más allá del éxito, Nile Rodgers fue una estrella anónima que incluso se vio opacada por el racismo que aún imperaba a fines los ’70 en Estados Unidos. El ejemplo más cabal lo vivió en la Nochebuena de 1977, cuando fue con Bernard a Studio 54, la discoteca de moda en Manhattan donde incluso sonaba su música. Aun habiendo sido invitados por Grace Jones (la estrella invitada para esa noche en la disco), los patovicas de la puerta los rebotaron impiadosamente. Compraron dos botellas de champán y se fueron a improvisar a su depto, donde nació el ‘Fuck off’ dirigido a la disco, que luego adaptarían por el más correcto "Freak out”, de Le Freak. Ese fue su primer número 1 en Estados Unidos, vendiendo 7 millones de copias.

Sobreviviente
El movimiento “disco sucks”, impulsado por el Dj Steve Dahl, desató la ira contra la música disco y puso a Chic en retirada. Mientras Rodgers comenzó a hacerse fama como productor, su adicción a la cocaína y el alcohol comenzó a ser un verdadero problema. “Mi padres eran adictos a la heroína y las drogas fueron parte de mi vida familiar. Creo que por eso estaba destinado a engancharme a eso”, cuenta Nile en su documental. Sin embargo, se sobrepuso a sus adicciones. En 2010 recibiría otro golpe al ser diagnosticado con “un cáncer extremadamente agresivo”. “Ahí decidí que iba a hacer más música y conciertos de los que hice en mi vida”, afirma ahora años después.

El amigo de los robots
Como si todo eso no hubiera sido suficiente, el destino le tenía deparado otro cara a cara con uno de los últimos hits globales: su guitarra es la que suena Get lucky (y Loose yourself to dance, entre otros), de Daft Punk. Eso lo volvió a poner en el tapete y ahora fue otra vez elegido por Duran Duran para su nuevo disco (ya suena Pressure off y tiene su sello). “Muchos me critican con que hago temas de cuatro acordes…. ¡Nunca son cuatro acordes! Es que tengo ‘algo’ para hacer canciones. Espero que no sea contagioso”, dijo en broma en un programa británico en 2013.

Talento de hacer de lo simple una pegadiza melodía pop es virtud de unos pocos elegidos.
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Algunas curiosidades sobre Beethoven

Ludwig van Beethoven1 (Bonn, 16/17 de diciembre de 17702 - Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Fue uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución de la música.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Cuando se trata de Ludwig van Beethoven todo el mundo sabe algo en particular, ya sea sobre sus increíbles composiciones musicales o sobre su caótica vida personal. Además, existen películas y libros que nos ayudan a revelar un poco más sobre este músico del siglo XVIII que sigue tan vigente como entonces. 

Algunas curiosidades sobre Beethoven

Fue el tercero en tener ese nombre

El primer Ludwig van Beethoven fue su abuelo, y el segundo, su hermano, quien murió 6 días después de que él naciera.

Le obligaron a practicar día y noche

Su padre vio desde temprano el potencial de Ludwig y lo obligó a estudiar incansablemente, con la esperanza de que se convirtiera en un genio del calibre de Mozart. El niño lloraba para que no lo atormentaran con las lecciones, pero lo obligaron a seguir adelante.

Por años creyó que había nacido en 1772, dos años después de su verdadero nacimiento, probablemente porque el padre quería hacerlo parecer más joven y talentoso, como el resto de los niños genios.

Dejó la escuela
En su casa se necesitaba dinero, así que dejó los estudios y se lanzó a trabajar. Fue así que no consiguió aprender a multiplicar o dividir. Si tenía que multiplicar, simplemente sumaba el número varias veces hasta dar con el resultado.

Se encontró con Mozart
Cuando tenía 17 años viajó a Viena donde se encontró con el famoso Wolfgang Amadeus Mozart. El artista no se impresionaba fácilmente con los músicos que llegaban a mostrarle sus habilidades, pero la historia dice que Beethoven logró algunos cumplidos del músico.

Tomó clases con Haydn
Cuando era joven se mudó a Viena donde tomó clases con el conocido compositor Haydn. Ambos se enojaban fácilmente, así que ninguna sesión culminaba sin una pelea.

Se enfermaba demasiado
Desde que nació y hasta su muerte fue una persona enfermiza y débil. Tuvo sordera, reumatismo, tifus, desórdenes en la piel, infecciones, degeneración inflamatoria de las arterias, hepatitis crónica y cirrosis.

Fue sordo desde temprana edad
Aunque siempre dijo que su sordera se debía a una caída, es probable que fuera por una enfermedad de su juventud, como viruela o tifus. A partir de los 27 años comenzó a oír un zumbido constante que le hacía la vida imposible.

Sonata Claro de Luna
Esta sonata fue muy exitosa desde un comienzo, y escrita para su alumna Julie Guicciardi. Beethoven odiaba dar clases a menos que fueran personas muy talentosas o jóvenes hermosas. El compositor nunca conoció esta sonata con ese nombre, porque fue el poeta Ludwig Rellstab quien la llamó por primera vez así, 5 años después de su muerte.

Su obra más temprana es del año 1782
Beethoven tenía solo 12 años cuando compuso su primer trabajo con 9 variaciones para piano, escritas en do menor, algo no muy común. Además, son muy difíciles de tocar a pesar de ser piezas escritas por un niño.

Murió en una tormenta
Beethoven murió durante una tormenta eléctrica y todo el mundo comparó este hecho con sus composiciones algo tormentosas. La causa de muerte fueron sus numerosas enfermedades, pero la autopsia reveló un hígado descompuesto por el alcohol y una cirrosis avanzada.

Sus últimas palabras
El mito dice que sus últimas palabras fueron “aplaudan amigos, la comedia está terminando”, pero suena muy poco probable que dijera esto, y menos en latín. Al parecer la verdad es que un editor le regaló a Beethoven 12 botellas de vino y sus últimas palabras fueron: “lástima, lástima, demasiado tarde”.

Seasick Steve

Cuando este californiano sacó su primer disco ya tenía más de 60 años y una larga vida de vagabundeo a sus espaldas. Ahora tiene cerca de 75, se fabrica sus propios instrumentos y le da al stompin’ blues. Recoge la herencia de John Lee Hooker transformándola a base de su honestidad y calidad. 


Steven Gene Wold, mas conocido como Seasick Steve (nacido en 1941) Es un músico, blusero, nacido en Oakland, California, Estados Unidos. Usualmente sus canciones hablan sobre su juventud y sobre sus primeros trabajos casuales, que marcaron su vida. Generalmente utiliza guitarras personalizadas por el, o hechas por el o por luthiers amigos. 

Infancia y primeros años de vida 
Cuando tenía cuatro años de edad, sus padres se separaron. Con ocho años se cruzó con el músico de blues KC Douglas, quien le enseñó a tocar la guitarra y así ganar algo de dinero tocando por las calles. Se fue de su casa a los 13 años para evitar los abusos a manos de su padrastro, y vivió duramente en Tennessee, Mississippi y en otros lugares, hasta 1973. 
Solía ​​viajar largas distancias en los trenes de carga, en busca de trabajo como peón de granja, o en otros trabajos de temporada, a menudo viviendo como un vagabundo. 

"Los vagabundos son personas que se desplazan en busca de trabajo, los vagabundos son personas que se mueven, pero no buscan trabajo, y los vagabundos son personas que no se mueven y no trabajan. Yo he sido los tres" 

En la década de 1960, él comenzó a viajar y tocar con músicos de blues amigos, tenía amigos en la escena de la música como Janis Joplin y Joni Mitchell. Desde entonces, ha trabajado, dentro y fuera, como músico de sesión y como ingeniero musical. A finales de 1980, mientras vivía en Olympia, cerca de Seattle, ha trabajado con muchos artistas de sellos independientes. 

Estuvo un tiempo viviendo en Paris, tocando en las calles, sobre todo en el metro. Después de mudarse a Noruega en 2001, lanzó su primer álbum, titulado Cheap, grabado en The Level Devils (Jo Husmo en bajo y Kai Christoffersen en la batería). 

Su gran salto tuvo lugar en 2003, cuando se juntó con un par de músicos noruegos y comenzaron a tocar blues clásico, un blues que eriza la piel y hace pensar en viejas historias del Mississippi, un blues tocado con guitarras hechas por él mismo. 
En 2004 llegó su primer disco, “Cheap”, pero fue con su segundo trabajo, “Dog House Music” (2006), con el que triunfó en el Reino Unido. Después llegaron las giras y festivales, el reconocimiento internacional y nuevos trabajos de estudio.
Hizo su primera aparición televisiva en la TV inglesa, en el programa de Hools Holland (festejando el año nuevo de 2006) donde toco "Dog House Boogie". Luego de ese show su popularidad exploto en Gran Bretaña. Fue bien recibido en el Reino Unido, ganó el premio "2007 MOJO Award for Best Breakthrough Act" (Artista revelación del año 2007) y toco en los principales festivales del Reino Unido como Reading, Leeds y Glastonbury. 

Steve es un personaje digno de cómic, o de canción de Bod Dylan, o de historia de Kerouac y Burrough. Un personaje del que ni si quiera está clara la edad. En teoría tiene 74, pero hay quien lo pone en duda. Un personaje que vagó en su adolescencia de tren en tren con una guitarra a cuestas. Partiendo de California hasta Tennesse, Mississipi arriba, Misisipi abajo, como un cowboy solitario acompañado por sus “guitarras” artesanales. Guitarras hechas por él mismo, un poco con lo que se encontraba en sus devenires, un poco con algo de chatarra.

Un personaje que pese a su talento y trayectoria, y pese a trabajar como músico de estudio para gente de renombre, nunca quiso ni busco el camino del Rockstar. Siempre prefirió la carretera y la libertad que solo el anonimato concede.

Un personaje que nació en 1941 y dedicó su vida a la guitarra, al country y al blues, grabando y dando conciertos por todo el mundo. Pero que, por motivos difíciles de explicar, esperó hasta 2004, nada menos, para sacar sus propios discos. 

Quizás sea por lo artesanal y autentico de todo el proceso, tanto de creación como de grabación. Quizás sea por su voz o quizás por lo minimalista de la instrumentación y de la producción. Quizás porque lo grabó en una habitación de su granja, como quien dice, con un par de amigos. 
Quizás por lo extraño de sus “guitarras” artesanales. “Guitarra” por ponerle un nombre a ese trozo de madera con rascador y una sola cuerda con la que se permite el lujo tocar. Hay que tener un toque raro, pirado, nostálgico y realmente genial para plantearte grabar un álbum serio con ese tipo de “artefactos”… 

Si algunos piensan que llegó a destiempo, otros creemos que SEASICK STEVE ha llegado y ha encontrado un tiempo y un lugar.  Talento acompañado de autenticidad y sinceridad.




Conoce más sobre Seasick Steve en http://seasicksteve.com/