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Las canciones exitosas son de 4 acordes

La mayoría de las canciones pop/rock constan de una melodía cantada a la que acompañan varios instrumentos realizando progresiones de acordes, acordes que se suceden y que se repiten sirviendo como una estructura armónica que soporta la melodía.

Si la melodía es una sucesión de notas ordenadas las progresiones son sucesiones de acordes. Algunas de estas progresiones acaban por convertirse en modelos sobre los que se han construido gran cantidad de canciones de éxito. Es decir, que muchos músicos parten de esta progresión, variando en ocasiones el ritmo o los instrumentos añadiendo una melodía propia. Así consiguen atraer el oído del oyente con algo familiar pero aportando algo nuevo.

En realidad este recurso lo podemos encontrar en otros momentos de la historia de la música.

La progresión de I -V - vi - IV es una progresión común de acordes en varios géneros de música. Por ejemplo en clave de C mayor esto sería: C - G - Am - F. 

Usos basados ​​en un punto de partida diferente pero con el mismo orden de acordes / intervalos:

Ejemplo en C
  • I - V - vi - IV = C - G - Am - F (optimista)
  • V - vi - IV - I = G - Am - F - C
  • vi - IV - I - V = Am - F - C - G (pesimista)
  • IV - I - V - vi = F - C - G - Am

La progresión de los años 50 utiliza un orden diferente (I - vi - IV - V), sin importar el punto de partida. También se conoce como "progresión pop-punk" debido a su uso frecuente en el pop punk.

¿Por qué tantas canciones usan los mismos acordes?
Técnicamente, no todas las canciones usan los mismos acordes. Lo que sí utilizan es la misma relación entre ellos (fórmulas de progresión acordes). 

Toca las canciones usando C, G, Am y F, estos acordes se pueden transponer a otra clave completamente diferente siempre y cuando se mantenga la relación entre ellos. En la clave de G (Sol), por ejemplo, los acordes serían G, D, Em y C (Sol, Re, Mi menor y Do).




En este video puedes ver una parodia de cómo se abusa de algunas de estas progresiones como es la formada por los cuatro acordes I - V - vi - IV en tonalidad de C mayor. 



La lista de canciones
Journey – “Don’t Stop Believing”
James Blunt – “You’re Beautiful”
Black Eyed Peas – “Where Is the Love”
Alphaville – “Forever Young”
Jason Mraz – “I’m Yours”
Train – “Hey Soul Sister”
The Calling – “Wherever You Will Go”
Elton John – “Can You Feel The Love Tonight” (from The Lion King)
Akon – “Don’t Matter”
John Denver – “Take Me Home, Country Roads”
Lady Gaga – “Paparazzi”
U2 – “With Or Without You”
The Last Goodnight – “Pictures of You”
Maroon Five – “She Will Be Loved”
The Beatles – “Let It Be”
Bob Marley – “No Woman No Cry”
Marcy Playground – “Sex and Candy”
Men At Work – “Land Down Under”
Theme from America’s Funniest Home Videos
Jack Johnson – “Taylor”
Spice Girls – “Two Become One”
A Ha – “Take On Me”
Green Day – “When I Come Around”
Eagle Eye Cherry – “Save Tonight”
Toto – “Africa”
Beyonce – “If I Were A Boy”
Kelly Clarkson – “Behind These Hazel Eyes”
Jason DeRulo – “In My Head”
The Smashing Pumpkins – “Bullet With Butterfly Wings”
Joan Osborne – “One Of Us”
Avril Lavigne – “Complicated”
The Offspring – “Self Esteem”
The Offspring – “You’re Gonna Go Far Kid”
Akon – “Beautiful”
Timberland featuring OneRepublic – “Apologize”
Eminem featuring Rihanna – “Love the Way You Lie”
Bon Jovi – “It’s My Life”
Lady Gaga – “Pokerface”
Aqua – “Barbie Girl”
Red Hot Chili Peppers – “Otherside”
The Gregory Brothers – “Double Rainbow”
MGMT – “Kids”
Andrea Bocelli – “Time To Say Goodbye”
Robert Burns – “Auld Lang Syne”
Five for fighting – “Superman”
The Axis of Awesome – “Birdplane”
Missy Higgins – “Scar”

¿Quién inventó la Musica?

Algunos pensaran que le debemos formulas matemáticas, la formula del triangulo rectángulo, los catetos, y otras cosas mas como el colegio. Pero para mí, el mayor reconocimiento es la música. 

Se le adjudica a Pitágoras el descubrimiento de las leyes de los intervalos musicales regulares, es decir, las relaciones aritméticas de la escala musical. Los principios de la música fueron sin duda tan importantes para el sistema pitagórico como los principios matemáticos mismos, o las nociones sobre «números». La expresión de la Naturaleza en términos matemáticos -como las proporciones y las razones- es una idea clave dentro de la filosofía desarrollada por los pitagóricos. Estos filósofos notaron que todos los modos de la armonía musical y las relaciones que la componen se resuelven con números proporcionales.
Se dice que Pitágoras acuñó la palabra matemáticas, que significa “lo que es aprendido”. Él describe un sistema de ideas que busca unificar los fenómenos del mundo físico y del mundo espiritual en términos de números, en particular, en términos de razones y proporciones de enteros. Se creía que, por ejemplo, las órbitas de los cuerpos celestiales que giraban alrededor de la Tierra producían sonidos que armonizaban entre sí dando lugar a un sonido bello al que nombraban “la música de las esferas”. 

Pitágoras estudió la naturaleza de los sonidos musicales. La música griega existía mucho antes, era esencialmente melódica más que armónica y era microtonal, es decir, su escala contenía muchos más sonidos que la escala de doce sonidos del mundo occidental. Esto no es algo inusual en las tradiciones musicales orientales donde la música es enteramente melódica. Los intervalos más pequeños no se pueden escribir en nuestra notación actual aunque algunos cantantes modernos e instrumentalistas de jazz los ejecuten. 

Fue Pitágoras quién descubrió que existía una relación numérica entre tonos que sonaban “armónicos” y fue el primero en darse cuenta de que la música, siendo uno de los medios esenciales de comunicación y placer, podía ser medida por medio de razones de enteros. Sabemos que el sonido producido al tocar una cuerda depende de la longitud, grosor y tensión de la misma. Entendemos que cualquiera de estas variables afecta la frecuencia de vibración de la cuerda. Lo que Pitágoras descubrió es que al dividir la cuerda en ciertas proporciones era capaz de producir sonidos placenteros al oído. Eso era una maravillosa confirmación de su teoría. Números y belleza eran uno. El mundo físico y el emocional podían ser descritos con números sencillos y existía una relación armónica entre todos los fenómenos perceptibles. 

Pitágoras encontró que al dividir una cuerda a la mitad producía un sonido que era una octava más agudo que el original (Do al Do superior); que cuando la razón era 2:3 se producía una quinta (la distancia de Do a Sol) y que otras razones sencillas producían sonidos agradables.
La razón por la cual encontramos a estos intervalos más agradables que otros tiene que ver con la física de la cuerda tocada. Cuando una cuerda de 36 cm se rasga, no sólo se produce una onda de 36 cm, sino que además se forman dos ondas de 18 cm, tres de 12, cuatro de 9, y así sucesivamente. La cuerda vibra en mitades, tercios, cuartos, etcétera. Y cada vibración subsidiaria produce “armónicos”, estas longitudes de onda producen una secuencia de armónicos, 1/2, 1/3, 1/4… de la longitud de la cuerda. Los sonidos son más agudos y mucho más suaves que el sonido de la cuerda completa (llamada “la fundamental”) y generalmente la gente no los escucha pero son los que hacen que los instrumentos musicales suenen diferentes entre sí. Ya que Do y Sol, a una distancia de quinta, comparten muchos de los mismos armónicos, estos sonidos se mezclan produciendo un resultado agradable. 

Sin embargo, Pitágoras no sabía nada de armónicos. Él sólo sabía que la longitud de la cuerda con las razones 1:2 y 2:3 producía unas combinaciones de sonidos agradables y construyó una escala a partir de estas proporciones. 

En sus experimentos, Pitágoras descubrió tres intervalos que consideraba consonantes: el diapasón, el diapente y el diatesaron. Los llamamos la octava, la quinta y la cuarta porque corresponden al octavo, cuarto y quinto sonidos de la que conocemos como escala pitagórica diatónica. La llamamos quinta porque corresponde a la quinta nota de la escala.
La afinación pitagórica es una gama musical construida sobre intervalos de quintas perfectas de razón 3/2. Las frecuencias pitagóricas de la nota «Do» son las siguientes: 1, 2, 4, 8, 16, 32, 64, 128, 256, 512, 1024, 2048.15

Para los pitagóricos la música poseía además un valor ético y medicinal, Pitágoras hacía comenzar la educación por la música, por medio de ciertas melodías y ritmos, gracias a los cuales sanaba los rasgos de carácter y las pasiones de los hombres, atraía la armonía entre las facultades del alma.

Tu tema me suena

Plagio es el término legal para la copia de otra persona o de la obra creadora de una entidad y haciéndola pasar como material original. En general, esto se considera una violación de las normas éticas y podría ser castigado por la ley en algunas áreas. En el campo de la música, muchas acciones legales han resultado de las reclamaciones por plagio música. A finales del siglo 20, la llegada de la toma de muestras de música complica aún más la cuestión.

Al igual que otras obras de creación, la música está protegida por las leyes de derechos de autor en muchos países, así como por el Convenio de Berna internacional. La mayor parte de la música está protegido por la vida del creador más varias décadas. En la práctica, los derechos de autor de muchas canciones populares son propiedad de las compañías de grabación, no por los propios artistas. Estos derechos de autor puede ser muy lucrativo para los años después del éxito inicial de la canción. Por lo tanto, las compañías de música protegerán vigorosamente estos derechos de autor en los casos de plagio de la música, ya sea real o percibida.

Al igual que otras formas de arte, la música está hecha de muchos elementos individuales, y que a menudo se inspira en las obras anteriores de arte. Un simple progresión de notas de una canción puede parecer muy similar a lo que se escucha en otras canciones conocidas, pero esto no significa necesariamente que el trabajo ha sido plagiado. Los jueces que supervisan los casos de plagio de música deben sopesar estos factores a la hora de tomar sus decisiones. Algunos reclamantes son simples oportunistas que buscan una porción de las fortunas hechas por canciones exitosas. Esto sólo hace que sea más difícil para decidir los casos en que el plagio real ha tenido lugar.

El plagio es definido por el Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española como la acción de "copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias".
Desde el punto de vista legal, el plagio es una infracción del derecho de autor sobre una obra artística o intelectual de cualquier tipo, que se produce cuando se presenta una obra ajena como propia u original. Así pues, una persona comete plagio cuando copia o imita algo que no le pertenece haciéndose pasar por el autor de ello. 

En la industria musical las acusaciones por plagio son algo constante. Por plagio hay que entender todo aquello que supone copiar obras ajenas en lo sustancial, presentando gran similitud con la obra original. El plagio supone un atentado contra el derecho moral del autor ya que infringe el derecho al reconocimiento del derecho a la paternidad de la obra reconocido la Ley de Propiedad Intelectual.

Los expertos musicales consideran que hay plagio cuando hay más de ocho notas continuadas iguales. Son muchos los casos de plagio, denunciados o no, en la historia de la música. A los expertos muchas veces les cuesta identificar qué es plagio y qué simple inspiración. Algunos se limitan a la música y el arreglo, mientras que otros copian la letra de la canción original. 

Plagiar básicamente es copiar o crear algo muy parecido de otro autor. El plagio puede suceder de dos formas, copiar una idea musical (una parte de la melodía vocal o del instrumental) o hacer un sampling.
Lo del sampling es fácil. Es cuando un artista usa literalmente el exacto mismo sonido de otro autor. No hablo de algo parecido, digo copiar el mismo exacto sonido y ponerlo en otra canción.

La mayoría cree que si superas las cuatros notas o x cantidad de compases idénticos se considera plagio y la verdad es que no. 
(En la SGAE - Sociedad General de Autores y Editores Españoles - descubrí que estaba totalmente equivocado. Ahora resulta que el plagio no existe...(?), como lo oyes, ni tres compases, ni dos , ni 25. En caso de denuncia, la Inspección Técnico Musical de la SGAE tiene la obligación de contrastar la veracidad de la acusación, pero sin fijarse en el número compases plagiados, porque un tema puede medirse con tempos diferentes; por tanto fijar tal o cual número de compases no tiene sentido. Lo que hace los inspectores es encargar a una comisión de expertos y arreglistas un informe sobre los dos temas en litigio para que analicen no solo las notas repetidas sino las armonías y ritmos, los arreglos, todo. Si el peritaje se inclina por la confirmación del plagio te pedirán que renuncies a los derechos de autor en beneficio de la otra parte y tratarán de llegar a un acuerdo amistoso que, caso de no darse, será juzgado por los tribunales ordinarios de justicia.
Por regla general la Inspección de la SGAE logra conciliar a las partes: es muy raro que se produzcan juicios por plagio en España, con el consiguiente escándalo. No ocurre lo mismo en otros países donde algunos llenan las primeras páginas. Me vienen a la cabeza casos como los del Beatle George Harrison con su "My sweet Lord" , condenado por plagio, o el de la famosa "Lambada" unos años atrás.
Si te fijas, normalmente plagia el fuerte al débil. El que plagia es aquel que estando en una posición ventajosa se aprovecha de las ideas de otro compositor menos conocido y se apropia los temas del otro. Por eso es tan importante que registres tus composiciones antes de enseñarlas por ahí, no sea que te lleves la desagradable sorpresa de escucharlas en poder de otros.)

Para Sadaic (Sociedad Argentina de Autores y Compositores) "no hay una fórmula matemática para determinar un plagio". Entonces, ¿qué pasa si un músico hace un reclamo ante la entidad? "La Comisión de Asuntos Artísticos evalúa y opina, comparando las obras en cuestión. Pero en definitiva es la Justicia la que resuelve si hubo plagio o no". 

Conclusión
Si terminas creando una canción donde la melodía vocal es parecida en todos sus términos a otra desde comienzo a fin es obvio que no hay feliz coincidencia. Pero si te tocase crear algunas melodías similares sería bueno que se lo hagas escuchar a amigos para que te den un veredicto. Pídeles que sean directos con respecto a eso. Si notan algo parecido a otro, sería mejor hacer los cambios apropiados. 

Tu tema me suena


SLIDE

Esta técnica consiste en deslizar un dedo de una nota a otra. Simplemente has de golpear la púa haciendo sonar la primera nota y seguidamente deslizar el dedo hasta llegar a la posición de la segunda nota. Como norma, tener en cuenta que las dos o más notas que componen un slide deben estar en la misma cuerda.

Se puede conseguir un sonido muy agradable y característico de la música Blues, utilizando un tubo de slide. El tubo, que suele ser de cristal o metálico, se coloca en un dedo de la mano izquierda y se desliza a través del mastil, colocándolo sobre las notas deseadas. Esta es una técnica, principalmente, usada en Blues, aunque algunas veces podemos verlo en guitarristas modernos de otros estilos. 

En la tablatura se representa generalmente con una s minuscula, en ocasiones los slides se representan con / o \ segun sean ascendente (el primero) o descendente (el segundo).

 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------7s5---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide 

 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------5/7---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide ascendente
 e|-------------------|
 B|-------------------|
 G|-------7\5---------|
 D|-------------------|
 A|-------------------|
 E|-------------------|

Slide descendente

INTRODUCCION A LA PROGRESION DE ACORDES

Cuando uno empieza a componer, y mas cuando uno realmente no sabe mucho de teoría musical empieza a tirar acordes a lo loco, unos suenan bien, algunos le dan fuerza a la canción y otros suenan horripilantemente mal. Todo esto tiene una explicación.

La principal razón por lo que algunos acordes suenan mejor que otros es que los acordes se mueven de una manera. Como sabemos un acorde es un conjunto de notas, al pasar de un acorde a otro pueden o no compartir notas, ahora bien si ambos acordes comparten una de las nota esta en común la progresión será continua, tendrá movimiento, armonía y sonará mucho mejor y más fuerte que con otros acordes.

Progresión de acordes basados en el primer acorde base (o tónica) mayor:
1 ………………… Mayor 
2 ………………… Menor 
3 ………………… Menor 
4 ………………… Mayor
5 ………………… Mayor
6 ………………… Menor
7 ………………… Disminuido


Tomemos por ejemplo la escala de Do
C mayor (I)
D menor (ii)
E menor (iii)
F mayor (IV)
G mayor (V)
A menor (vi)
B disminuido (viio)


Por supuesto, esto es una guía y son recomendaciones, se te puede ocurrir poner el acorde que quieras, es tu oído el que dirá que acorde es mejor.

Análisis
Tomemos por ejemplo G (Sol mayor) y C (Do mayor). Cuando nos movemos de G a C se llama la progresión V-I, y es una de las progresiones más fuertes que hay.


Analicemos que notas forman los acordes de Do y Sol:
Do: C E G
Sol: G B D

Como vemos ambos acordes tienen la nota G (Sol) en común, lo que produce una fuerte progresión. Dos acordes que tienen una nota en común formaran una fuerte progresión. Estas son progresiones consideradas Fuertes pero también hay otro tipo de progresiones.

Vale recordar, que los grados más importantes de una tonalidad como en las progresiones de acordes son la tónica (I), la dominante (V) y la subdominante (IV). Por lo tanto, se les conoce como acordes primarios. Todos los demás son secundarios. La progresión de acordes primarios es de suma importancia, ya que indica el final de la frase musical. Estos finales se llaman cadencias.

Muchas canciones usan una progresión de acordes más frágil con una letra triste o más emocional. Si decides usar una progresión de acordes frágil, es mejor que utilices una progresión fuerte al final pues servirá para cerrar el verso como explicábamos en el párrafo anterior.

Un verso usualmente tolerará una más frágil progresión de acordes mientras que un estribillo requiere una progresión más fuerte

Acordes menores
No hemos hablado todavía de las progresiones de acordes basados en una tónica menor. Para entender el proceso de los acordes menores utilizaremos el mismo que para los acordes menores.


Progresión de acordes basados en una tónica menor:
1 ………………… menor
2 ………………… disminuido
3 ………………… mayor
4 ………………… menor
5 ………………… menor
6 ………………… mayor
7 ………………… mayor


Ejemplo de La menor:
A menor (I)
B disminuido (iio)
C mayor (III)
D menor (iv)
E menor (V)
F mayor (VI)
G mayor (VII)



En las tónicas menores, el acorde V es naturalmente menor. Pero como vimos la función del acorde V es moverse fácilmente a la tónica. Siglos de música han establecido que el acorde V, sea en tónica mayor o menor, suena más solidó cuando es mayor. Al ser mayor se mueve a la tónica (I), en tonos mayores es naturalmente mayor, por lo que no es necesario hacer ajustes. En tonos menores, el acorde es menor, por lo que debemos ajustarlo.

EL TEMPO

En terminología musical hace referencia a la velocidad con que debe ejecutarse una pieza musical. Se trata de una palabra italiana que literalmente significa «tiempo». En las partituras de una obra el tempo se suele representar al inicio de la pieza encima del pentagrama. A lo largo de la historia de la música occidental surgieron dos formas de indicar el tempo. Hasta la invención del metrónomo se empleaban determinadas palabras como andante, allegro, etc. que aportaban una idea subjetiva de la velocidad de la pieza y a la vez aportaban información sobre el carácter o la expresión que había que dar a la música.

La invención del metrónomo aportó mayor precisión y dio lugar a las indicaciones metronómicas.
En la música occidental actual se suele indicar en pulsaciones por minuto (ppm), abreviado más a menudo como bpm de la expresión ​​beats per minute en inglés. Esto significa que una figura determinada (por ejemplo, una negra o corchea) se establece como pulso y la indicación significa que debe ser ejecutado un determinado número de pulsos por minuto.

Cuanto mayor es el tempo, mayor es el número de pulsos por minuto que se deben tocar y por tanto más rápidamente debe interpretarse la pieza. En función del tempo una misma obra musical tiene una duración más o menos larga. De forma parecida, cada figura musical (una negra o una blanca) no tiene una duración específica y fija en segundos, sino que depende del tempo.

Metronomo: http://www.metronomeonline.com

A continuación se enumeran diversas expresiones que hacen referencia a un tempo determinado ordenadas de menor a mayor velocidad.
  • Larghissimo: extremadamente lento (menos de 20 ppm); usado en raras ocasiones.
  • Largo: muy lento (20 ppm).
  • Lento moderato
  • Lento: lento (40 - 60 ppm).
  • Grave: lento y solemne (≈40 ppm).
  • Larghetto: más o menos lento (60 - 66 ppm)
  • Adagio: lento y majestuoso (66 - 76 ppm); para Clementi, el movimiento más largo no era el largo sino el adagio.
  • Adagietto: un poco menos lento que el adagio (70 - 80 ppm); poco usado.
  • Tranquillo: tranquilo.
  • Tranquillamente.
  • Afettuoso: (72 ppm).
  • Andante: al paso, tranquilo, un poco vivaz (76 - 108 ppm).
  • Andante moderato: con un poco más de celeridad que el andante.
  • Andantino: más vivo que el andante moderato; sin embargo, para algunos significa menos vivo que el andante.
  • Moderato espressivo
  • Moderato: moderado (80 - 108 ppm).
  • Allegretto grazioso.
  • Allegretto: un poco animado; sin embargo, en algunas piezas se toca como allegro y en otras como andante.
  • Allegro moderato.
  • Allegro: animado y rápido (110 - 168 ppm).
  • Vivace: vivaz.
  • Vivo: rápido y vivaz
  • Allegrissimo: más rápido que el allegro; poco usado.
  • Presto: muy rápido (168 - 200 ppm).
  • Vivacissimo: más rápido que el vivace; poco usado.
  • Vivacissimamente.
  • Prestissimo: muy rápido (más de 200 ppm).
  • Allegro prestissimo con fuoco: extremadamente rápido (más de 240 ppm).

Indicadores de un cambio de tempo

Aumento gradual de velocidad
  • Stretto
  • Stringendo
  • Accelerando
  • Affrettando
Disminución gradual de la velocidad
  • Rallentando
  • Ritardando
  • Ritenuto
A voluntad del intérprete
  • A piacere
  • A capriccio
  • Ad líbitum
  • Rubato
Volviendo al tempo original
  • A tempo
  • Tempo primo o Tempo 1º

Otras expresiones utilizadas
  • Sostenuto: sosteniendo y descuidando un poco el tiempo.
  • Morendo: ir apagando el sonido y rallentando.
  • Non troppo: no demasiado. (Ejemplo: Allegro ma non troppo vivace)
  • Con moto: con movimiento.
  • Molto: mucho.
  • Poco a poco: poco a poco.
  • Tempo di...: va acompañado del nombre de algún tipo de composición para indicar que debe tocarse como es común en ese género. Por ejemplo, "Tempo di Valzer" indica que la velocidad debe coincidir con la usada en la mayoría de los valses.
  • Quasi: casi.
  • Assai: tanto, muy, suficiente o bastante.
  • Lo stesso tempo: a la misma velocidad.
  • Tempo giusto: a una velocidad consistente.

INTERVALOS


Intervalo es la diferencia de altura —frecuencia— entre dos notas musicales, medida cuantitativamente (número) en grados o notas naturales y cualitativamente (especie) en tonos y semitonos. Su expresión aritmética es una proporción simple.

Los intervalos tonales tienen un solo valor justo; los modales tienen un valor mayor y otro menor, propios de la modalidad en la que se encuentran.

Todos los intervalos pueden ser, además, aumentados o disminuidos.

Se consideran simples los intervalos no mayores que una octava y compuestos a los que la exceden. Los intervalos compuestos son análogos a los intervalos simples correspondientes. Así, una novena es una segunda a la octava y puede ser mayor o menor; una duodécima es análoga a una quinta y puede ser justa.

Se denomina armónico al intervalo cuyos sonidos suenan simultáneamente y melódico a aquel cuyos sonidos suenan sucesivamente.



Intervalos armonicos, mostrados sobre el pentagrama a partir de la nota do. Significado de la nomenclatura utilizada y distancia de cada intervalo en tonos y semitonos:

U = unísono (dos notas iguales)
m2 = de segunda menor (1st)
M2 = de segunda mayor (1T)
m3 = de tercera menor (1T 1st)
M3 = de tercera mayor (2T)
P4 = de cuarta justa o perfecta (2T 1st)
TT = de cuarta aumentada o tritono (2T 2st)
P5 = de quinta justa o perfecta (3T 1st)
m6 = de sexta menor (3T 2st)
M6 = de sexta mayor (4T 1st)
m7 = de séptima menor (4T 2st)
M7 = de séptima mayor (5T 1st)
P8 = de octava justa o perfecta (5T 2st)
Con la segunda nota en la siguiente octava y manteniendo la fundamental se generan los intervalos de novena, que equivale con una octava de diferencia al de segunda, el de onceava, que equivale al de cuarta, el de treceava, que equivale al de sexta, etc.

Se llaman complementarios los intervalos que, sumados, conforman una octava: una cuarta y una quinta son complementarias. Nótese que la suma de los cuatro grados de la cuarta y los cinco grados de la quinta se resuelve en ocho grados, no nueve, porque el cuarto grado de la cuarta es a la vez el primer grado de la quinta.


La calificación de intervalos como consonantes o disonantes ha variado enormemente a lo largo de los siglos, así como la definición de lo consonante o disonante en sí.

Por ejemplo, durante la edad media la autoridad adjudicada a Pitágoras llevó a los especuladores a considerar a la cuarta justa como la consonancia perfecta y a utilizarla para la composición de organa. Durante la misma época, especulaciones de carácter teológico llevaron a considerar a la cuarta aumentada, llamada "tritono", como diabólica (tritonus diabolus in musica est).

La armonía tradicional desde el siglo XVII considera disonantes los intervalos armónicos de primera aumentada —semitono cromático—, segunda mayor o menor, cuarta aumentada, quinta disminuida o aumentada, séptima mayor o menor y octava disminuida o aumentada. Una posible consideración más detallada es la siguiente:
 

  • Consonancias perfectas: los intervalos de 4ª, 5ª y 8ª cuando son justas.
  • Consonancias imperfectas: los intervalos de 3ª y 6ª cuando son mayores o menores.
  • Disonancias absolutas: los intervalos de 2ª y 7ª mayores y menores.
  • Disonancias condicionales: todos los intervalos aumentados y disminuidos, excepto la 4ª aumentada y la 5ª disminuida.
  • Semiconsonancias: la 4ª aumentada y la 5ª disminuida.

Además, en el contexto de la armonía tradicional, el intervalo melódico de cuarta aumentada es considerado disonante.


Un intervalo se puede producir tocando ambas notas al mismo tiempo (intervalo armónico), o una después de otra (intervalo melódico). En este último caso se puede diferenciar la dirección del sonido entre ascendente (cuando la segunda nota es más aguda que la primera) y descendente (cuando la segunda nota es más grave que la primera).

Inversión
Un intervalo puede ser invertido, al subir la nota inferior una octava o bajando la nota superior una octava, aunque es menos usual hablar de las inversiones de unísonos u octavas. Por ejemplo, la cuarta entre un Do grave y un Fa más agudo puede ser invertida para hacer una quinta, con un Fa grave y un Do más agudo. He aquí formas de identificar las inversiones de intervalos:

Para intervalos diatónicos hay dos reglas para todos los intervalos simples:

  • El número de cualquier intervalo y el número de su inversión siempre suman nueve (cuarta + quinta = nueve, en el ejemplo reciente).
  • La inversión de un intervalo mayor es uno menor (y viceversa); la inversión de un intervalo justo es otro justo; la inversión de un intervalo aumentado es un disminuido (y viceversa); y la inversión de un intervalo doble aumentado es uno doble disminuido (y viceversa).

    Un ejemplo completo: Mi♭ debajo y Do por encima hacen una sexta mayor. Por las dos reglas anteriores, Do natural debajo y Mi Bemol por encima deben hacer una tercera menor.

    Para intervalos identificados por ratio, la inversión es determinada revirtiendo el ratio y multiplicando por 2. Por ejemplo, la inversión de un ratio 5:4 es un ratio 8:5.

    Para intervalos identificados por entero pueden simplemente ser restados de 12. Sin embargo no pueden ser invertidos.
 

ACORDES - FÓRMULAS DE CONSTRUCCIÓN

Veremos las fórmulas más importantes que debemos aprender para saber construir acordes y arpegios.

Cada fórmula nos está indicando qué tipo de intervalo debemos usar para llegar desde la tónica a la siguiente nota, por ejemplo:

Si la fórmula comienza con: 1 3 5
Lo que nos quiere decir es que la primera nota será la tónica, la siguiente estará una tercera mayor por encima de la tónica y la tercera nota estará una quinta justa por encima de la tónica.

Los posibles números que podemos encontrarnos en las fórmulas, son los intervalos:


1 - tónica (no es un intervalo)

b2  - Segunda menor - un semitono

2 - Segunda mayor - dos semitonos

b3  - Tercera menor - tres semitonos

3 - Tercera mayor  - cuatro semitonos

4 - Cuarta justa - cinco semitonos

b5  - Quinta disminuida - seis semitonos

5 - Quinta justa - siete semitonos

b6  - Sexta menor - ocho semitonos

6 - Sexta mayor - nueve semitonos

b7  - Séptima menor - diez semitonos

7 - Séptima mayor - once semitonos


Acordes 

Acorde mayor:   1 3 5

Acorde menor:   1 b3 5

Acorde disminuido (tríada): 1 b3 b5

Acorde aumentado:    1 3 5#

Acorde mayor séptima:    1 3 5 7

Acorde menor séptima:    1 b3 5 b7

Acorde séptima dominante:    1 3 5 b7

Acorde disminuido (cuatríada):   1 b3 b5 bb7

Acorde semi-disminuido: 1 b3 b5 b7


Tocar un arpegio significa tocar las notas de un acorde (Pero de forma melódica), las fórmulas de los arpegios serán iguales a las de los acordes:

Arpegio mayor:   1 3 5

Arpegio menor:   1 b3 5

Arpegio disminuido (tríada): 1 b3 b5

Arpegio aumentado:    1 3 5#

Arpegio mayor séptima:    1 3 5 7

Arpegio menor séptima:    1 b3 5 b7

Arpegio séptima dominante:    1 3 5 b7

Arpegio disminuido (cuatríada):   1 b3 b5 bb7

Arpegio semi-disminuido: 1 b3 b5 b7

EL CIFRADO AMERICANO

Por diversas razones, vas a encontrar en muchos lugares los acordes expresados con letras en lugar de los nombres clásicos de los acordes. 
Hay infinitas formas de expresarse, que son producto de la combinación de distintos sistemas de notación. Las tablas que siguen te van a orientar un poco en esto de entender un sistema que tal vez es completamente nuevo para vos. Las dos primeras presentan los elementos que forman los acordes, y la tercera te da algunos ejemplos, y otras formas válidas de representar el mismo acorde.

C     D     E     F     G     A     B
Do     Re     Mi     Fa     Sol     La     Si


Principales elementos que modifican al acorde
m     Menor
#     Sostenido
b     Bemol

Algunos acordes de ejemplo, y otras formas de representarlos
 
C     Do mayor     Do     DO     DoM
Fm     Fa menor     Fa-     fa     Fam
A#7     La sostenido con séptima     La#7     LA#7     LaM7
Ebm     Mi bemol menor     Mib-     mib-     Mibm
G#mmaj7     Sol sostenido menor con séptima mayor     Sol#-7+     sol#7+     Sol#mmaj7
G/B     Sol mayor con bajo en Si     Sol/Si     SOL/SI     Sol/Si
Dm/F#     Re menor con bajo en Fa sostenido     Re-/Fa#     re/FA#     Rem/Fa#
Bdim     Si disminuido     Siº     SIº     Sidim
Asus4     La con cuarta suspendida     La4     LA4     Lasus4

NOTACION MUSICAL

Notación musical es el nombre genérico de cualquier sistema de escritura utilizado para representar gráficamente una pieza musical, permitiendo a un intérprete que la ejecute de la manera deseada por el compositor.

El sistema de notación más utilizado actualmente es el sistema gráfico occidental que representa sobre un pentagrama una serie de signos. El elemento básico de cualquier sistema de notación musical es la nota, que representa un único sonido y sus características básicas: duración y altura. Los sistemas de notación también permiten representar otras características diversas, tales como variaciones de intensidad, expresión o técnicas de ejecución instrumental. No obstante, existen muchos otros sistemas de notación y muchos de ellos también se usan en la música moderna.

EL PENTAGRAMA
El pentagrama es un conjunto de cinco líneas paralelas y cuatro espacios que utilizamos para escribir los signos musicales. Las líneas y los espacios se cuentan de abajo arriba.


LAS NOTAS MUSICALES
Los sonidos musicales están representados por las NOTAS. La altura sonora se representa situando estos signos en las diferentes líneas y espacios del pentagrama.
Tenemos siete notas musicales, que ordenados de grave a agudo forman la escala musical. Las notas son DO, RE, MI, FA, SOL, LA y SI.


LAS CLAVES
La clave es una signo musical que sirve para determinar el nombre de las notas que se representan en el pentagrama. Este gráfico se coloca al principio del pentagrama y representan las tesituras correspondientes a cada voz.

Las claves llevan el nombre de las notas FA, SOL y DO.
En este cuaderno encontrarás la CLAVE DE SOL.


LAS ALTERACIONES
Las alteraciones son unos signos que se colocan a la izquierda de las notas y modifican su entonación.
Podemos encontrar tres alteraciones básicas. El SOSTENIDO sube medio tono,el BEMOL baja medio tono y el BECUADRO anula las alteraciones anteriores.

Estas alteraciones pueden ser PROPIAS si se sitúan en el comienzo del pentagrama y alteran a todas las que representan en la partitura, y ACCIDENTALES que afectan sólo a las notas que acompañan y a las de su COMPÁS. 


LAS FIGURAS
Para representar la duración de los sonidos musicales, las notas adoptan diferentes formas que denominamos FIGURAS.

Aquí tienes las más empleadas en este cuaderno: REDONDA, BLANCA, NEGRA, CORCHEA y SEMICORCHEA.

Cada figura representa una duración relativa a las demás.

 
Las figuras pueden prolongar su duración por medio del PUNTILLO y de la LIGADURA.
OTROS SIGNOS
Hemos seleccionado otros signos que te puedes encontrar en este cuaderno
Ligadura
Es una línea curva que une dos notas con la misma altura y en la práctica suma el valor de éstas. A este tipo de ligadura se le llama LIGADURA DE UNIÓN.

Cuando esta línea curva une notas de diferente altura se la denomina LIGADURA DE EXPRESIÓN.
 

PuntilloEs un punto que se pone a la derecha de la nota o silencio y los prolonga la mitad de su valor. 

Calderón
Es un pequeño arco con un punto en su interior que se coloca encima o debajo de una nota o silencio. Su función es detener momentáneamente la marcha del compás prolongando libremente la duración de la nota o silencio.  


 

LOS SILENCIOS
Son signos que representan la ausencia de sonido. A cada FIGURA MUSICAL le corresponde un SILENCIO.
Observa las equivalencias entre silencios y figuras 



LOS COMPASES
La obra musical está divida en fragmentos de igual duración que facilita su lectura. Estos fragmentos están delimitados por unas líneas perpendiculares que cortan el pentagrama llamadas LÍNEAS DIVISORIAS.

Los compases pueden ser BINARIOS, TERNARIOS y CUATERNARIOS, según el número de tiempos o partes que contengan.


El tipo de compás se indica al principio del pentagrama, después de la clave, por medio de un quebrado. Su numerador nos informa del número de tiempos que forman el compás. El denominador indica la unidad de medida que utilizamos por tiempo en figuras.


LA EXPRESIÓN
Para interpretar una partitura no basta con leer mecánicamente las alturas, duraciones y acentuaciones que están escritas. Hay que interpretar también la velocidad o “tempo”, el carácter (alegría, tristeza, etc.), la intensidad del sonido que interpretamos o “matices” y el tipo de ataque que requiere cada nota.

Estas indicaciones se hacen tradicionalmente con palabras italianas.
Aquí tienes una selección de términos relativos a la expresión.

TEMPO: (Fijas) Lento, Adagio, Moderato, Andante, Allegro, Presto, etc.. (Variables) Ritardando, Acelerando.
CARÁCTER: (Fijas) Animato, Cantabile, Dolce, Scherzando, etc.    
MATICES: (Fijas) Pianissimo, Piano, Mezzopiano, Mezzoforte, Forte, Fortissimo. (Variables) Crescendo, Diminuendo.