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Las canciones exitosas son de 4 acordes

La mayoría de las canciones pop/rock constan de una melodía cantada a la que acompañan varios instrumentos realizando progresiones de acordes, acordes que se suceden y que se repiten sirviendo como una estructura armónica que soporta la melodía.

Si la melodía es una sucesión de notas ordenadas las progresiones son sucesiones de acordes. Algunas de estas progresiones acaban por convertirse en modelos sobre los que se han construido gran cantidad de canciones de éxito. Es decir, que muchos músicos parten de esta progresión, variando en ocasiones el ritmo o los instrumentos añadiendo una melodía propia. Así consiguen atraer el oído del oyente con algo familiar pero aportando algo nuevo.

En realidad este recurso lo podemos encontrar en otros momentos de la historia de la música.

La progresión de I -V - vi - IV es una progresión común de acordes en varios géneros de música. Por ejemplo en clave de C mayor esto sería: C - G - Am - F. 

Usos basados ​​en un punto de partida diferente pero con el mismo orden de acordes / intervalos:

Ejemplo en C
  • I - V - vi - IV = C - G - Am - F (optimista)
  • V - vi - IV - I = G - Am - F - C
  • vi - IV - I - V = Am - F - C - G (pesimista)
  • IV - I - V - vi = F - C - G - Am

La progresión de los años 50 utiliza un orden diferente (I - vi - IV - V), sin importar el punto de partida. También se conoce como "progresión pop-punk" debido a su uso frecuente en el pop punk.

¿Por qué tantas canciones usan los mismos acordes?
Técnicamente, no todas las canciones usan los mismos acordes. Lo que sí utilizan es la misma relación entre ellos (fórmulas de progresión acordes). 

Toca las canciones usando C, G, Am y F, estos acordes se pueden transponer a otra clave completamente diferente siempre y cuando se mantenga la relación entre ellos. En la clave de G (Sol), por ejemplo, los acordes serían G, D, Em y C (Sol, Re, Mi menor y Do).




En este video puedes ver una parodia de cómo se abusa de algunas de estas progresiones como es la formada por los cuatro acordes I - V - vi - IV en tonalidad de C mayor. 



La lista de canciones
Journey – “Don’t Stop Believing”
James Blunt – “You’re Beautiful”
Black Eyed Peas – “Where Is the Love”
Alphaville – “Forever Young”
Jason Mraz – “I’m Yours”
Train – “Hey Soul Sister”
The Calling – “Wherever You Will Go”
Elton John – “Can You Feel The Love Tonight” (from The Lion King)
Akon – “Don’t Matter”
John Denver – “Take Me Home, Country Roads”
Lady Gaga – “Paparazzi”
U2 – “With Or Without You”
The Last Goodnight – “Pictures of You”
Maroon Five – “She Will Be Loved”
The Beatles – “Let It Be”
Bob Marley – “No Woman No Cry”
Marcy Playground – “Sex and Candy”
Men At Work – “Land Down Under”
Theme from America’s Funniest Home Videos
Jack Johnson – “Taylor”
Spice Girls – “Two Become One”
A Ha – “Take On Me”
Green Day – “When I Come Around”
Eagle Eye Cherry – “Save Tonight”
Toto – “Africa”
Beyonce – “If I Were A Boy”
Kelly Clarkson – “Behind These Hazel Eyes”
Jason DeRulo – “In My Head”
The Smashing Pumpkins – “Bullet With Butterfly Wings”
Joan Osborne – “One Of Us”
Avril Lavigne – “Complicated”
The Offspring – “Self Esteem”
The Offspring – “You’re Gonna Go Far Kid”
Akon – “Beautiful”
Timberland featuring OneRepublic – “Apologize”
Eminem featuring Rihanna – “Love the Way You Lie”
Bon Jovi – “It’s My Life”
Lady Gaga – “Pokerface”
Aqua – “Barbie Girl”
Red Hot Chili Peppers – “Otherside”
The Gregory Brothers – “Double Rainbow”
MGMT – “Kids”
Andrea Bocelli – “Time To Say Goodbye”
Robert Burns – “Auld Lang Syne”
Five for fighting – “Superman”
The Axis of Awesome – “Birdplane”
Missy Higgins – “Scar”

La voz de Bob Dylan

Desde el principio Dylan sabía que no cantaba como un Frank Sinatra o un Bing Crosby. Afortunadamente, en lugar de audicionar en concursos, lo hizo ante el legendario buscador de talentos John Hammond, quien había descubierto ya a Billie Holiday, cuya voz también era una “extraña fruta” en el mundo del jazz. 

Apenas un par de años después de su debut discográfico, el documental Don´t look back (1967) mostraba los problemas que tenían los periodistas para etiquetar a Dylan: ¿Cantante folk?, ¿cantante de protesta?, ¿anarquista? Una de las dificultades para categorizarlo tenía que ver con su peculiar “estética” vocal. En una escena le dice burlonamente a uno de ellos: “Yo canto tan bien como Enrico Caruso, tiene que fijarse mucho, pero al igual que él alcanzo todas las notas y puedo aguantar la respiración”. 

Dylan cantante es tan importante como compositor y letrista.
En la revista RollingStone, Bono le dedica un breve ensayo en estos términos: “Hizo lo que muy pocos cantantes han podido hacer: cambiar la manera de cantar canciones populares” y enumera una serie de adjetivos para describirla: “seductora”, “implorante”, “confesional”, “furiosa”, “conversacional”, “indignada”. El irlandés concluye diciendo que con el tiempo Dylan logró que su misma voz fuera tan elocuente como su poesía. 

Su gracia no era tanto que su voz fuera tan radical, ahí estaba ya Louis Armstrong con su canto crujiente de fama mundial. Y también le antecedían cantantes de blues, country, folk y rock and roll, que no eran precisamente unos crooners, que buscaban transmitir alma antes que lograr la pureza interpretativa. Lo que él cimentó fue la idea del cantautor poeta: aquel que muestra las imperfecciones de su voz como una desnudez cruda y brutal. En ese sentido, ayudó a que cantantes imperfectos como Lou Reed, Tom Waits y Elvis Costello fueran más creíbles que Plácido Domingo, José Carreras y Luciano Pavarotti. 

Aparte de no ser agradable para los estándares pop, hay otro aspecto problemático en su voz: es fácil de caricaturizar. Tiene un estilo que se antoja para la parodia, un poco a la manera en que el Elvis Presley de Las Vegas es fácilmente clonado. En ese sentido, tiene más mérito ver a Jimmy Fallon imitando a Neil Young, que a Dylan. Pero igual que sucede con el Rey del Rock, quienes no lo conozcan más que superficialmente, se quedarán con la falsa impresión de que aborda sus canciones de la misma manera, cuando una de sus principales cualidades es la versatilidad. 

Phil Spector decía que Elvis era más que cantante, un verdadero intérprete, a la manera de un actor. Algo así ocurre con Dylan, pero mientras Presley se mete en su papel de canción a canción, Dylan puede incluso hacerlo de estrofa a estrofa, e incluso de verso a verso. Puede no gustarle a mucha gente, pero no se le puede negar su oscilante expresividad. 

Quejándose del esfuerzo que le suponía cantar, Kurt Cobain llegó a comentar que le hubiera gustado seguir el camino de Dylan para no forzar tanto su garganta. Pero la elemental dinámica de las canciones de Nirvana no tiene comparación con la permanente ondulación de la voz de Dylan. No es tan monótono como Leonard Cohen o Lou Reed, y en el otro extremo no es tan exagerado como Tom Waits. Bono lo compara con Marlon Brando, el mejor actor de su generación. 

Dylan puede contar cuentos, con diálogos incluidos, como lo hace en “Tweeter and the monkey man” o “Tweedle Dee and Tweedle Dum”, puede sonar parrandero en “Rainy day women”, predicador en “The times they are a-changin’”, animado en “Watching the river flow”, hosco en “What was it you wanted”, suplicante en “Congratulations”. 

Pero no toda su riqueza es emoción y textura, también está el ritmo: puede cantar deprisa en “Subterranean homesick blues” o crear un lento vals macabro en “Man with the long black coat”, puede girar como carrusel ondulante en “Thunder on the mountain” o tomarse su tiempo como en “What good am I”. Elton John lo pone así: “No es Tony Bennett, pero nadie frasea como él”. 

Es interesante detectar la influencia de Dylan en la voz de otros cantantes famosos. No todos los casos son obvios: Pete Townshend ha confesado que la interpretación de Roger Daltrey en “My generation”, la canción más emblemática de The Who, no hubiera sido posible sin tenerlo a él como inspiración, pero no es tan fácil dar con la semejanza. Sin embargo, sí es posible encontrar el rastro de su veneno disimulado entre los momentos más campiranos de Beck, entre las canciones más narrativas de Elvis Costello, entre las elevaciones más ásperas de Joaquín Sabina, todos ellos confesos admiradores del de Minnesota. 

La imitación es más clara en “There she goes again” por Lou Reed, “Don´t come around here no more” por Tom Petty, “Catch the wind” por Donovan o “Jimmy Jazz” por Joe Strummer; ni se diga en “Sultans of swing” por Mark Knopfler o en “Sleeping in the devil´s bed” por Daniel Lanois. Aún John Lennon, quien llegó a burlarse de su forma de cantar, no pudo evitar sonar como él en “You got to hide your love away” o en “Working class hero”. Más evidente aún: David Bowie en “Song for Bob Dylan” le manda un mensaje utilizando su voz como espejo. 

Su voz hoy
La voz de Bob Dylan nunca ha sido precisamente bonita, no sería el adjetivo que mejor la define, y no es que Bob cante mal, pero es dueño de una voz de por sí nasal y ajada en los últimos años, casi como si fuera el “hombre del saco” de la canción tradicional y de raíces americana. 
Es normal que cambie la voz con los años, que se pierda, y Vulture ha hecho un curioso estudio fisiológico de la voz de Dylan.

A pesar de que ciertamente la música de Dylan nunca se ha apoyado en la pureza de su canto, en los últimos años la arena en la voz de Bob ha pasado de fina a extra-gruesa para acabar siendo como de papel lija (David Bowie dijo que la voz de Bob es “arena y pegamento”).

¿Por qué suena así su voz?
“La parte superior del rango de tono de Dylan se ha reducido, por lo que no puede acceder a ciertos tonos. Cuando él está tratando de subir el tono con ciertas palabras y frases, la voz se vuelve áspera. En general el tono que utiliza es más bajo.”
La explicación fisiológica es que las cuerdas vocales son básicamente músculos debajo de capas de colágeno y una sustancia acuosa llamada ácido hialurónico.

“A medida que se envejece, se pierde masa muscular. La capa comienza a perder colágeno y ácido hialurónico, así que las cuerdas vocales se “caen”, al igual que lo hace la piel. 
Produces una voz al tener las cuerdas vocales en contacto entre sí y soplando aire, así que si las cuerdas vocales no pueden ponerse en contacto entre sí, entonces ya no podrás producir un sonido tan fuerte.”  De ahí la delgadez sofocada de la voz actual de Dylan.

¿Cómo podría tener su voz como al principio?
Como muchos de sus compañeros de los 60s, Dylan era fumador, y los cigarrillos pueden causar cambios estructurales significativos en las cuerdas vocales, poniéndolas “gordas e hinchadas”, lo que se traduce en “sonido gruñón”. El desgaste vocal y desgarro de un músico que hace 30 años se embarcó en un “Neverending Tour” inacabable.

“Los horarios de los músicos son bastante malos. Tocan tarde, muchos de ellos terminan de comer después de sus actuaciones y se van directamente a la cama a la 1 o 2 de la mañana, por lo que se van a dormir con el estómago lleno. Y eso es una mina para el reflujo de los ácidos, que puede causar inflamación en la región de la garganta y laringe. Del mismo modo, la falta de sueño no le da a las cuerdas vocales de un cantante la oportunidad de recuperarse.”
Los lugares de concierto secos y polvorientos son una causa de deterioro a largo plazo de las cuerdas vocales. “La superficie que recubre las cuerdas vocales termina teniendo pequeñas mellas, por lo que no puede vibrar como debería.”

¿Su daño vocal es reparable?
Las cuerdas vocales dañadas no son un “trastorno médico”, lo que significa que todavía tienen la capacidad de “conseguir lo que lograban antes.” 

“Los músculos de contracción rápida en las cuerdas vocales no son como otros músculos. Una solución común es trabajar para construir el flujo de aire con ejercicios y modificaciones del comportamiento. 
Más allá de eso, hay medidas quirúrgicas disponibles que son comparables a los tratamientos con colágeno antiarrugas de ablandamiento”.
“Se pueden inyectar materiales que esencialmente le darán a las cuerdas vocales más cuerpo. Eso le puede dar un mejor contacto entre ellas y mejor volumen. Si le das a las cuerdas más volumen, puede aumentar tu rango de tono.”

La voz de Bob Dylan a través de los años.

 

Fuentes de referencia: 
Francisco Treviño Elizondo / Dr Milan Amin (Director del Centro de la Voz de New York)

Robert Schumann: Consejos a los jovenes estudiantes de musica

Robert Schumann, el mas grande compositor aleman del periodo romantico, fue tambien autor de una valiosa critica musical.

En 1842 – con Knorr, Schunke y Wieck (su maestro) – fundo en Leipzig, la “Nueva Gaceta Musical”, de la cual fue el unico redactor desde 1835 hasta 1844.

En dicho periodico, Schumann lucho infatigablemente en pro del progreso musical, a veces fustigando (por ejemplo: a Meyerbeer), a veces elogiando (por ejemplo: a Cherubini y a Mendelssohn); pero la gloria de Shumann, como critico musical, es la de haber revelado al publico el genio de Chopin (1810-1849), de Berlioz (1803-1869) y de Brahms (1833-1987).

 
Consejos a los jovenes estudiantes de musica
La educacion del oido es de maxima importancia; es conveniente, pues, que en seguida te ocupes de ella, esforzandote en reconocer cualquier sonido que escuches y la tonalidad de cada trozo de musica. Procura saber y reconocer los sonidos. 

Tocar con atencion las escalas y los ejercicios mecanicos es una cosa optima; pero no imites a esos pianistas que, creyendo que con esto se alcanza el maximo resultado, dedican siempre, hasta las mas avanzada edad, varias horas diarias a los ejercicios mecanicos de los dedos. Eso equivale a repetir diariamente, con creciente rapidez, las letras del abecedario. Es necesario emplear mejor el tiempo (Nota: este consejo se aplica a todos los instrumentos no solo el piano)

Se han construido los llamandos teclados mudos; pero despues de breve uso te convenceras de su inutilidad: ¿como pueden los mudos enseñar a hablar?

¡Lleva bien el compas! La ejecucion de algunos concertistas se parece al andar de un borracho; guardate de tomar a ellos por modelo.

Profundizate temprano en las leyes fundamentales de la armonia.

No te asustes de los nombres: Teoria, Armonia, contrapunto, etc; con un poco de buena voluntad, pronto te seran familiares.

¡No toques negligentemente! Ejecuta cada trozo siempre con mucha atencion, sin omitir nada.

Tocar muy aprisa es un defecto tan grande, como tocar muy despacio.

Procura ejecutar lo mejor posible obras faciles, obtendras asi mas beneficios que ejecutando mediocremente composiciones dificiles.

Ten siempre tu instrumento perfectamente afinado

No basta con ejecutar con los dedos la musica; hay que saber tambien cantarla, en voz baja, sin recurrir al instrumento

Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodia de una composicion, sino tambien su armonia.

Aunque tengas poca voz, acostumbrate a cantar repentizando, sin la ayuda de instrumento alguno; asi perfeccionaras siempre mas el oido. Pero si tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no vaciles en educarla: ¡considerala como uno de los mas preciados dones que te haya concecido Dios!

Procura llegar a comprender la musica escrita, sin ejecutarla: con solo leerla.

Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero si, ejecuta siempre como si te escuchara un maestro.

La primera cualidad de la interpretacion es la precision, o sea la exacta observancia del texto, que pone de relieve la mas recondita intencion del autor.

Si te dan para tocar un trozo que no conoces, leelo antes de ejecutarlo

Si despues de la tecnica diaria estas cansado/a, no continues tocando: es mejor descansar que trabajar sin placer y sin energia.

No ejecutes las composiciones que estan de moda. El tiempo es precioso, y seria necesario vivir cien veces mas de los que se vive para llegar a conocer solo la buena musica existente.

Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La nutricion del espiritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente: alimentate de sus obras.

Aquella música cuyo fin es poner en evidencia dificultades tecnicas en la ejecucion pronto pasa de moda: las dificultades tecnicas tienen valor solo cuando persiguen fines mas elevados, o sea cuando logran una perfecta ejecucion de la musica de verdadero merito.

No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas de impedir su difusion.

No toques musica mala y, salvo que las circunstancias te obliguen, tampoco la escuches.

No creas que la verdadera maestria consiste solo en la agilidad. En la ejecucion de un buen trozo procura mas bien producir la impresion que tenia en la mente el compositor y nada mas. Cualquier otra cosa seria caricatura.

No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambios y mutilaciones en la musica de los grandes compositores, como tambien agregar adornos de uso exclusivamente moderno. Es la maxima injuria que se puede hacer al arte.

NOTA DEL TRADUCTOR – Aqui recuerdo lo que dice Berlioz al respecto: “No, no, no, diez millones de veces no; musicos, poetas, actores, pianistas, directores de orquesta de tercero, segundo y tambien de primer orden, vosotros no teneis el derecho de retocar a los Beethoven y a los Shakespears, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vuestro gusto. No, no, no, mil millones de veces no: un hombre, cualquiera que sea, no tiene el derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia fisonomia para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a asumir una forma que el no ha elegido”.


Al seleccionar la musica que debes estudiar, consulta siempre a personas con mas experiencia que tu; ahorras tiempo.

Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los grandes compositores.

No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los llamados virtuosos. La aprobacion de los competentes sea para ti de mayor valor que la del publico.

La musica que esta de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla, seras considerado un necio.

Tocar mucho en reuniones sociales es mas dañoso que util. Adaptate al gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna musica de la cual, intimamente, puedas avergonzarte.

Aprovecha la ocasion de ejecutar musica de conjunto, o sea duetos, trios, cuartetos, etc; adquiriras siempre desenvoltura y arrojo en la ejecucion. Tambien es beneficioso acompañar a los cantantes.

Si todos quisieran ser primer violin, ¿como seria posible formar una orquesta? Por lo tanto valora a cada ejecutante en la parte que desempeña.

Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que el es mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona tambien que existe la voz humana, y que en la musica se alcanza lo sublime uniendo el coro a la orquesta.

Progresando en el arte, trata de familiarizarte mas con las partituras que con los virtuosos.

Ejecuta muy a menudo las fugas de los grandes maestros, maxime las Johann Sebastian Bach. El clave bien temperado sea tu pan cotidiano: llegaras, sin duda, a ser un pianista de prestigio.

Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben mas que tu.

Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de los buenos poetas, ademas pasea muy a menudo por los campos y los bosques.

Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer todo lo que dicen.

Reflexiona que no eres unico en el mundo; por lo tanto se modesto. Tu no has ideado o hallado cosas que otros no hayan ideado o hallado antas que tu; y en el caso que esto aconteciera, consideralo como un Don que debes dividir con otros.

El estudio de la historia de la musica  y la audicion de las obras de los grnades maestros de distintas epocas, son los verdaderos remedios contra toda vanidad y presuncion.

Un hermoso libro es el de Thibaut, titulado Pureza del arte musical. Leelo muy a menudo cuando llegues a la edad madura.

NOTA DEL TRADUCTOR – Antonio Federico Juste Thibaut nacio en Hameln el 4 de Enero de 1774 y fallecio el 28 de Marzo de 1840 en Heidelberg, donde era profesor de derecho. En 1825 publico el libro Pureza del arte musical (cuya version al español no existe), que en Alemania ejercio mucha influencia sobre el renacimiento de la musica antigua, maxime la de la iglesia.

Thibane llego a reunir mas de 600 importantes composiciones de distintos autores de todos los paises (siglos XV, XVI, XVII y XVIII).



Si pasando delante de una iglesia, oyes tocar el organo, detente y escucha. Si alguna vez puedes tocar dicho instrumento te asombraras de la gran potencia de la musica producida por tus pequeños dedos.

Aprovecha cuantas ocasiones se te presenten de ejercitarte en el organo; ningun instrumento como este hace oir claramente las deficiencias de la ejecucion y el pesimo estilo de la composicion.

Canta muy a menudo en los coros, maxime en las partes medias: esto contribuira a formar tu sensibilidad musical.

¿Que quiere decir poseer sensibilidad musical? Tu no la posees si tocas un trozo con fatiga, mirando con ansiedad los sonidos escritos, o si ejecutando, te detienes de repente y eres incapaz de continuar, porque te han dado vuelta dos paginas el mismo tiempo. Por el contrario tu la posees si, tocando un trozo nuevo para ti, llegas a adivinar, en cierto modo, lo que sigue; o si el trozo es conocido, lo recuerdas. En conclusion, tu posees sensibilidad musical si tienes la musica no solo en los dedos, sino tambien en la cabeza y en el corazon.

¿Como se puede adquirir la sensibilidad musical? Mis queridos amigo(a)s, la sensibilidad musical es un don y consiste, principalmente, en tener un oido delicado y una rapida facultad de percepcion. Estas dichosas disposiciones pueden ser cultivadas y perfeccionadas, pero no encerrandose en un cuarto y tocando solo los ejercicios mecanicos, sino estando en contacto con otros musicos y especialmente familiarizandose con el coro y con la orquesta.

Procura conocer bien y a tiempo la extension de la voz humana en sus cuatro modificaciones. Estudiala particularmente en los coros, investigando cuales son los sonidos con los que la voz manifiesta mayor potencia, y cuales aquellos con que expresa pasiones tiernas y sentimientos delicados.

Escucha con atencion los cantos popularaes: ellos constituyen un rico manantial de hermosisimas melodias que te facilitaran el estudio sobre el caracter de la musica de las diferentes naciones.

Ejercitate muy a menudo en la lectura de las claveas antiguas, de lo contrario, ignoraras muchos tesoros del pasado.

Pon atencion al diferente timbre y al caracter propio de los distintos instrumentos, procurando retener en tu oido las cualidades particulares de sus sonidos.

Respeta la musica antigua; pero interesate tambien por la moderna

No tengas animo adverso por la musica cuyo autor te es desconocido.

No juzgues una composicion despues de la primera audicion, pues lo que agrada en seguida no siempre es lo mejor. Las obras de los grandes maestros deben ser estudiadas, y muchas cosas seran claras para ti cuando tengas mas años.

Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir aquellas que pertenecen al verdadero arte de las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.

¡Melodia! – he aqui el grito de guerra de los aficionados. Y a decir verdad, no existiria musica sin melodia. Pero es necesario conocer bien que cosas entienden ellos por melodia: un estribillo de facil comprension y de agradable ritmo. Pero existen melodias de genero diferente: si se da un vistazo a las obras de Bach, mozart, Beethoven, se vera como en ellas se presenta bajo mil formas. Es de esperar que pronto te fastidien las melodias uniformes.

Es bueno componer pequeñas melodías en el piano; pero si las ideas musicales vienen a ti, sin buscarlas en el piano, tendrás que alegrarte mucho más, porque tu sensibilidad musical se despierta. Los dedos deben ejecutar lo que el cerebro quiere, y no lo contrario.

Cuando empieces a componer, imagina primero con el pensamiento, y sólo cuando tu trabajo está completamente ideado en tu cerebro, ejecútalo en el piano.

Si tu música proviene del alma y del corazón, y tú mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover también a los demás.

Si Dios te ha dado el don de una fantasia vivaz, cuando te halles solo, sentado ante el piano, muy a menudo tentarás de expresar con las armonias el íntimo sentimiento de tu ánimo; y cuanto más obscura sea para tí la ciencia armónica, tanto más te parecerá ser misteriosamente arrastrado a regiones encantadas. Estas son las horas más bellas de la juventud. Pero no te dejes llevar frecuentemente por la fantasia que podria hacerte perder tiempo y fuerzas, corriendo detrás de fantasmas. Nunca se llega a dominar las formas de la composición y a expresar claramente las propias ideas, si no se ponen por escrito los propios conceptos. Por lo tanto, escribe más de lo que improvises.

Trata de adquirir a tiempo el arte de dirigir la orquesta. Observa a los buenos directores y esfuérzate en dirigir tú mismo mentálmente: asi adquirirás lucidez de percepción.

Estudia atentamente la vida y procúrate conocimientos también en otras artes y ciencias.

Las leyes de la moral son también las del arte.

Diligencia y perseverancia son los factores más importantes del progreso.

NOTA DEL TRADUCTOR: Respecto a la diligencia, creo oportuno recordar lo que dice Leonardo de Vinci: “No olvides que aprenderás más con la diligencia que con la prisa”, y en cuanto a la perseverancia recuerda el célebre refrán: “La gotera cava la piedra”, o sea, que la constancia vence toda dificultad.


De una libra de hierro, que cuesta pocos centavos, se puede obtener un millar de manecillas de reloj, cuyo valor, comparado con el de la primera materia, es prodigioso. Emplea, por lo tanto, concienzudamente la “Libra” que has recibido de Dios.

En arte, sin entusiasmo, nada grande se produce.

El objeto del arte no debe ser la ganancia material. Trata de llegar a ser lo más experto posible: el resto vendrá solo. El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas comprendido bién su forma.

Tal vez solo un genio puede llegar a comprender a otro genio.

Se dice que un perfecto músico, al escuchar por primera vez un trozo orquestal, por complicado que sea, deberia verlo en su mente como si tuviera delante la partitura escrita. Esto sería, verdaderamente, el colmo del intelecto musical.

El Estudio no tiene fin.

NOTA DEL TRADUCTOR: Recuerda lo que dice Arturo Graf en su interesante libro de aforismos y parábolas Ecce Homo (edic. treves, Milán, 1908): “Cuando yo era joven, me parecia saber mucho; ahora, después de años y años de estudio, me doy cuenta de que sé muy poco; sin embargo, no es posible que el estudio sea un progreso en la ignorancia”.

Robert Schumann

¿Quién es el mejor cantante? (popular internacional)

Concert Hotels publicó una lista de los mejores cantantes del mundo encabezada por Axl Rose. 


Pues bien, en vintagevinylnew se mostraron escépticos ante los resultados y decidieron hacer su propio conteo al ampliar el rango de consideración empleado por Concert Hotels. 

Ha sido siempre un tema de discusión. Definir quién es mejor cantante ha sido siempre una complicación para la música popular, derivando, en la mayoría de los casos, en peleas que terminan en nada más que una disputa de los gustos. Por ello, es interesante el ejercicio hecho por Vintage Vynil News, replicando el criterio de Concert Hotels, que buscó identificar el rango vocal de los cantantes destacados como “los mejores” en la lista de 100 mejores cantantes hecha hace un tiempo por Rolling Stone. 
La primera lista sólo consideraba cantantes de la lista de los mejores 100 cantantes de Rolling Stone, así como los analizados por The Range Place y nominados a los Billboard Music Awards 2014, de modo que muchos intérpretes se quedaron fuera.

Ahora con nuevos nombres añadidos a la lista, resulta que Mike Patton (vocalista de Faith No More) es el mejor con un rango vocal de 6 octavos, mientras que Axl Rose baja hasta el cuarto escalón. 

El listado completo

6 octavas, 1/2 nota
Mike Patton (Eb1 a E7)

5 octavas, 5-1/2 notas
Corey Taylor (Eb1 a C7)

5 octavas, 4-1/2 notas
Diamanda Galás (F2 a C#8)

5 octavas, 3 notas
David Lee Roth (E1 a A6)

5 octavas, 2-1/2 notas
Axl Rose (F1 a Bb6)

5 octavas, 1 nota
Nina Hagen (G#1 a Bb6)

5 octavas, 1/2 notas
Ville Valo (C1 a C#6)

4 octavas, 6-1/2 notas
Roger Waters (B1 a Bb6)
Mariah Carey (G#2 a G7)

4 octavas, 5-1/2 notas
Devin Townsend (C2 a Bb6)
Kyo (F#1 a E6)

4 octavas, 5 notas
Paul McCartney (A1 a F6)

4 octavas, 4-1/2 notas
Sean Peck (G1 a Eb5)

4 octavas, 4 notas
Prince (E2 a B6)
Dan Swano (D1 a A5)

4 octavas, 3 notas
Tim Foust (Eb1 a G#5)

4 octavas, 2-1/2 notas
Jon Bon Jovi (E2 a G#6)
Chino Moreno (F#2 a B6)

4 octavas, 2 notas
King Diamond (A1 a C6)
Minnie Ripperton (Eb3 a F#7)
Peter Steele (Eb1 a F#5)

4 octavas, 1-1/2 notas
Billy Gibbons (G1 a Bb5)
Ken Tamplin (G1 a Bb5)

4 octavas, 1 nota
Elvis Presley (G1 a A5)
Warrel Dane (G#1 a Bb5)
Jim Gillette (C2 a D6)
Burton Cummings (C2 a D6)
Steven Tyler (D2 a E6)
Serj Tankian (D2 a E6)
Anthony Keidis (G1 a A5)
Vita (D2 a E6)

4 octavas, 1/2 nota
David Bowie (G1 a G#5)
Phil Anselmo (C#1 a Bb5)
Peter Gabriel (G1 a G#5)
Rob Halford (C2 a C#6)
David Draiman (Bb1 a B5)
Marvin Gaye (D2 a Eb6)
James Brown (Eb2 a E6)
Christina Aguilera (C3 a C#7)

4 octavas
Geoff Tate (A1 a A5)
Captain Beefheart (A1 a A5)
Maynard James Keenan (G1 a G5)
Tom Araya (C#2 a C#6)
Ian Gillan (D2 a D6)
Nils Frykdahl (A1 a A5)
Glenn Hughes (D2 a D6)
Freddie Mercury (F2 a F6)

3 octavas, 6-1/2 notas
Trent Reznor (C#2 a C6)

3 octavas, 6 notas
Daniel Gildenlow (B1 a A5)
John Lennon (C2 a B5)
Eric Adams (C2 a B5)
Elton John (E2 a D6)
Jeff Buckley (F2 a E6)
Jack Black (A1 a G5)
Tommy Karevik (D2 a C6)
Nils K. Rue (D2 a C6)
Luis Miguel (G2 a F6) (análisis en proceso)

3 octavas, 5-1/2 notas
Nick Cave (B1 a G#5)
Bobby McFerrin (B1 a G#5)
Russell Allen (G#1 a F5)
Bruce Springsteen (Eb2 a B5)
Robert Plant (E2 a C#6)

3 octavas, 5 notas
Barry White (F#1 a Eb5)
Roger Daltrey (B1 a G5)
Lou Gramm (B1 a G5)
Chris Isaak (B1 a G5)
Billy Joel (C2 a A5)
Brendon Urie (C#2 a Bb5)
Stevie Wonder (E2 a C6)
Rance Allen (F2 a D6)
Siouxsie Sioux (A2 a F6)
Tina Turner (B2 a G6)

3 octavas, 4-1/2 notas
Hansi Kursch (C#2 a A5)
Morten Harket (C2 a G#5)
James LaBrie (D2 a Bb5)
Matt Barlow (D2 a Bb5)
Ted Neeley (D2 a Bb 5)
Bruce Springsteen (Eb2 a B5)
Ronnie James Dio (Eb2 a B5)
Tim “Ripper” Owens (Eb2 a B5)
Miljenko Matijevic (Eb2 a B5)
Brad Delp (F#2 a D6)
Philip Bailey (G2 a Eb6)
Karen O (B2 a F#6)
Tom Waits (Bb1 a F5)
Tay Zonday (Bb1 a F5)
Marilyn Manson (B1 a F#5)
Burton C. Bell (B1 a F#5)
Bono (C2 a G#5)
Eddie Vedder (C2 a G#5)
Gene Simmons (C2 a G#5)
David Gilmour (C#2 a A5)

3 octavas, 4 notas
Damon Albarn (B1 a F5)
Beyonce (A2 a E6)
Mikael Akerfeldt (G1 a D5)
Paul Stanley (E2 a B5)
Marc Bolan (E2 a B5)
Kellin Quinn (C3 a G5)
Kate Bush (B2 a F6)
M. Shadows (C#2 a G#5)
Chris Cornell (D2 a A5)
Brian Johnson (D2 a A5)
Richard Page (D2 a A5)
Layne Staley (Eb2 a Bb5)
Bruce Dickinson (E2 a B5)
Geddy Lee (E2 a B5)
Mark Boals (F2 a C6)
Michael Jackson (F#2 a C#6)
Sarah Vaughan (G2 a D6)
Cedric Bixler-Zavala (G2 a D6)
Cyndi Lauper (Eb3 a Bb6)

3 octavas, 3-1/2 notas

Jim Morrison (E2 a Bb5)
J.D. Summer (G0 a C#4)
Tom Jones (C#2 a G5)
Jimmy Gnecco (F#2 a C6)
Klaus Nomi (G2 a C#6)
Stu Block (E2 a Bb5)
Myles Kennedy (F#2 a C6)

3 octavas, 3 notas
Brandon Boyd (B1 a E5)
Iggy Pop (B1 a E5)
Josh Homme (Bb1 a Eb5)
James Hetfield (C2 a F5)
Julian Casablancas (C#2 a F#5)
George Michael (E2 a A5)
Pharrell Williams (E2 a A5)
Tori Amos (G2 a C6)
Justin Hawkins (B2 a E6)
Miley Cyrus (B2 a E6)
Mick Jagger (E2 a A5)
Nina Simone (E2 a A5)
Tommy Giles Rogers (E2 a A5)
Tim Buckley (F2 a B5)

3 octavas, 2-1/2 notas
Norah Jones (A2 a C#6)
Bob Dylan (C#2 a F5)
Kurt Cobain (C#2 a F5)
Chad Kroeger (E2 a G#5)
Chang Yu-Sheng (Bb2 a D6)
Buddy Holly (D2 a F#5)
Chris Martin (Eb2 a G5)
Paul Rodgers (E2 a G#5)
Robin Thicke (F2 a Bb5)
Justin Timberlake (F#2 a B5)
Jared Leto (G#2 a C6)
Kelly Clarkson (Eb3 a G6)

3 octavas, 2 notas
Alanis Morissette (B2 a D6)
Grace Slick (B2 a D6)
Ringo Starr (C2 a E5)
Steve Vai (C2 a E5)
Matt Bellamy (G2 a B5)
Annie Haslam (E3 a G6)
Peter Steele (Eb1 a F#5)
Ivan Rebroff (F1 a A5)
Michael Bolton (A2 a C6)
Jackie Wilson (A2 a C6)
Todd Smith (C2 a E5)
Lou Reed (D2 a F5)
Eminem (D2 a F5)
Thom Yorke (E2 a G5)
Mika (F2 a A5)
Aretha Franklin (G2 a B5)
Annie Lennox (G2 a B5)
Floor Jansen (D3 a F6)
Cher (D3 a F6)

3 octavas, 1-1/2 notas
Rihanna (B2 a C#6)
Simon LeBon (E2 a F#5)
Ozzy Osbourne (Eb2 a F5)
Fred First (Eb2 a F5)
Patrick Stump (F2 a G#5)
Michael Sweet (Bb2 a C#6)
Tarja Turunen (F3 a G#6)
Barry Gibb (F2 a G#5)
Sebastian Bach (F#2 a A5)
Lisa Gerrard (F#2 a A5)
Steve Perry (F#2 a A5)
Matt Tuck (F#2 a A5)
Joey Belladonna (G2 a Bb5)
Ella Fitzgerald (G#2 a B5)

3 octavas, 1 nota
Dave Gahan (B1 a C5)
Till Lindemann (G1 a A4)
Bob Marley (A2 a B5)
Glenn Danzig (C2 a E5)
Phil Collins (F2 a G5)
Steve Winwood (A2 a B5)
Neil Young (E2 a F5)
Brian Wilson (F2 a G5)
David Byron (G2 a A5)
Ray Charles (G#2 a Bb5)
Ann Wilson (C3 a D6)

3 octavas, 1/2 nota
Lady Gaga (Bb2 a B5)
Justin Bieber (A2 a Bb5)
Lana Del Rey (C3 a C#6)
Amy Lee (Eb3 a E6)

3 octavas
Janis Joplin (B2 a B5)
Roy Orbison (E2 a E5)
Brian Molko (D2 a D5)
Paul Simon (Eb2 a Eb5)
Chris Jericho (G2 a G5)
Chester Bennington (G#2 a G#5)
Howard Jones (Killswitch Engage) (E2 a E5)
Lorde (G#2 a G#5)

2 octavas, 6-1/2 notas
Sinead O’Connor (A2 a G#5)
Bruno Mars (Bb2 a A5)
Sting (G2 a F#5)
John Fogerty (G2 a F#5)
Rod Stewart (G#3 a C6)

2 octavas, 6 notas
Julee Cruise (A2 a G5)
John Lydon (A2 a G5) (análisis en proceso)
Joe Cocker (B2 a A5)
Brent Smith (E2 a D5)
Adrian Belew (A2 a G5) (análisis en proceso)
Joe Cocker (B2 a A5)
Robin Gibb (G2 a F5)
Adele (C3 a B5)
Dolly Parton (E3 a D6)
Bjork (E3 a D6)

2 octavas, 5-1/2 notas
Johnny Cash (B1 a G#4)
Nate Ruess (G#2 a F5)
Andrew Stockdale (B2 a G#5)
Little Richard (F2 a Eb5)

2 octavas, 5 notas
Alicia Keys (Bb2 a F#5)
David Coverdale (C2 a A5)
Michael Stipe (D2 a B4)
Hayley Williams (Bb2 a F#5)
David Ruffin (E2 a C5)
Van Morrison (E2 a C5)
Chuck Berry (E2 a C5)
Art Garfunkel (G2 a E5)

2 octavas, 4-1/2 notas
Damian Wilson (B2 a F#5)
Joni Mitchell (C#3 a A5)
Dusty Springfield (D3 a Bb5)
Katy Perry (D3 a Bb5)

2 octavas, 4 notas
Otis Redding (B2 a F5)
Gerard Way (G2 a D5)
Drake Bell (A2 a E5)
Stevie Nicks (B2 a F5)
Smokey Robinson (C3 a G5)
Whitney Houston (C#3 a G#5)

2 octavas, 3-1/2 notas
Frank Sinatra (D2 a G#4)
Neil Diamond (D2 a G#4)
Meat Loaf (A2 a Eb5)
Ray William Johnson (C3 a F#5)

2 octavas, 2-1/2 notas
Jerry Lee Lewis (G#2 a C5)
Ricky Martin (Bb2 a D5)
Luciano Pavarotti (C#3 a F5)

2 octavas, 2 notas
Sam Cooke (A2 a C5)
Karen Carpenter (D3 a F5)

2 octavas, 1-1/2 notas
Taylor Swift (E3 a F#5)

2 octavas
Skin (Deborah Dyer) (B3 a B5)

1 octava, 3 notas
Avi Kaplan (A2 a D4) (análisis en progreso)

Aún sin analizar:
Julie Andrews, Marc Anthony, Blixa Bargeld, Andy Bell, Pat Benatar, James Blake, Sarah Brightman, Anna Carolina, Kristen Chenowith, Jarvis Church, Merry Clayton, Robert Crowe, Jon DeLeo, Celine Dion, Agnetha Faltskog, Rachel Ferrell, Dani Filth, Lisa Fischer, Elizabeth Fraser, Declan Galbraith, Ariana Grande, Zac Hanson, Donnie Iris, Freddie Jackson, Daniel Johns, Jyrki 69, Tom Keifer, Patti LaBelle, Adam Lopez, Billy MacKenzie, Madonna, Barry Manilow, Bobby Martin, Dean Martin, Maxwell, Sarah McLachlan, Chuck Mosley, Peter Murphy, Aaron Neville, Harry Nilsson, Brandy Norwood, Alissa Now, Sally Oldfield, David Pack, Ronan Parke, Paul Potts, Panda Bare, Pink, Josh Ramsay, Dax Riggs, Kenny Rogers, Linda Ronstadt, Sia, Shirley Strachan, Barbra Streisand, Stumpen (Gero Ivers), Yma Sumac, Avey Tare, Neil Tennant, Mel Torme, Regine Velasquez, Frankie Valli, Violetta Villas, Tim Waurick, Alissa White-Gluz, Andrew Wood.

John Lee Hooker

Cantante y guitarrista de blues estadounidense que fue el creador y máximo exponente del boogie, una derivación cruda y contundente del blues tradicional cuya influencia en el rock ha sido incalculable: desde los Rolling Stones o los Doors hasta Carlos Santana han interpretado sus canciones.

John Lee Hooker nació el 22 de agosto de 1917 en una granja cerca de Clarksdale, Mississippi. En varias ocasiones cambió él mismo su fecha de nacimiento, situándola entre 1917 y 1923, y a su muerte su familia tuvo que confirmar la fecha auténtica. Hijo de William Hooker, aparcero y pastor de la Iglesia baptista, y Minnie Ramsey, John creció junto con seis hermanos y cuatro hermanas en un ambiente en el que sólo estaba permitida la música religiosa.

Durante su infancia vivió el traslado a otra granja en una plantación cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers (entonces Jimmy Lane). Sus padres se separaron en 1928 y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre. Su padrastro fue el músico local de blues William Moore, que le enseñó a tocar la guitarra cuando tenía trece años. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa.

En 1931 inició una serie de traslados, a menudo como vagabundo, hacia el norte industrial, destino común de los negros sureños de su generación. Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía, trabajó en cines locales y tocó con Robert Lockwood. En 1935 se trasladó a Cincinnati, donde alternaba trabajos de limpiabotas o de acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. Después de un período en el ejército, se instaló en Detroit en 1943, donde se casó dos veces (con su segunda mujer, Maude Mathis, tuvo seis hijos).

Los inicios de su carrera musical
En Detroit cimentó su carrera musical, al convertirse en una de las atracciones de los locales de Hasting Street, en el corazón del barrio negro de la ciudad. Dice la leyenda que el guitarrista T-Bone Walker le dio su primera guitarra eléctrica, con la cual Hooker inventó su estilo inconfundible, una mezcla del blues rural del sur con el rhythm and blues electrificado de Chicago que popularizaron Muddy Waters o Howlin Wolf.

Elmer Barbee, su mánager, le consiguió en 1948 la grabación de su primer sencillo, Boogie Chillen, publicado en la costa Oeste por Modern Records. Fue un éxito inmediato y vendió un millón de ejemplares. También en 1949 publicó clásicos como Hobo blues y Crawling King Snake, y en 1951 el éxito I’m in the mood, con el que logró el número uno en las listas de ventas. También publicó bajo diferentes seudónimos, como John Lee Booker, Johnny Williams o John Lee.

En sus primeras grabaciones tocaba él solo con su guitarra y marcando el ritmo con el pie, o con el acompañamiento esporádico de otro guitarrista. Por entonces actuaba con banda, pero los expertos presumen que su peculiar sentido del ritmo le hizo prescindir de ella en el estudio. Ello no le impidió tener un notable éxito y dar giras por todo el circuito rhythm and blues del país.

Varias generaciones de discípulos
El correoso boogie de Hooker fue un paso fundamental hacia lo que sería el rock and roll. En 1955 acabó su contrato con Modern Records y fichó por la compañia Vee Jay, de Chicago, que publicó los clásicos Dimples y Boom boom. Por entonces ya había dejado de grabar solo, lo que resultaba un tanto anacrónico para su época.

Sin embargo, a finales de la década, con el estancamiento del mercado del rhythm and blues, encontró una audiencia entusiasta entre el público blanco seguidor del folk tradicional. De esa época son sus grabaciones de nuevo solo y con guitarra acústica, en las que rememoraba sus orígenes rurales en el delta del Mississippi. Con ellas logró repercusión internacional y empezó a realizar giras por todo el mundo.

Su inimitable estilo, que prescindía de la rima y a veces hasta de seguir el ritmo, marcó a varias generaciones de músicos, desde Bob Dylan, que fue su telonero en Nueva York en 1960, hasta las ruidosas bandas de rhythm and blues británicas de los años sesenta, como los Rolling Stones, los Yardbirds o los Animals.

Discos como Black snake (1959), Wednesday evening blues (1960) o Birmingham blues (1963) afirmaron su prestigio a ambos lados del Atlántico. En 1970 se acercó de nuevo a las corrientes de moda al grabar el álbum Hooker ‘n’ Heat con Canned Heat, discípulos suyos igual que tantas otras bandas sureñas, como ZZ Top. En 1979, ya convertido en una figura legendaria, hizo una breve aparición en la película Blues Brothers.

Tras pasar la mayor parte de los años setenta y ochenta de gira, en 1989 publicó The healer, con colaboraciones de Carlos Santana, Bonnie Raitt y Los Lobos. Aquel álbum fue uno de los elementos clave del renacer del interés por el blues en los años noventa, gracias a un público cada vez más interesado por la música «con raíces».

Paradójicamente, John Lee Hooker no conoció las ventas millonarias ni la fama hasta la última década de su vida, lo que explica su inusitada actividad en esos años. The healer, publicado cuando tenía setenta y dos años, fue su disco más vendido, y desde entonces publicó otros cinco, el último de ellos The best of friends, publicado en 1998. Con Chill out (1996) ganó un Grammy, el mismo año en que participó en el Festival por la Libertad del Tibet junto a jóvenes figuras como Smashing Pumpkins, Fugees o Red Hot Chili Peppers. También prestó su venerable aunque dura imagen para varios anuncios publicitarios en Estados Unidos. Su rostro apareció también en sellos de Tanzania y su música sirvió de banda sonora para innumerables películas y anuncios televisivos de diferentes países.

La muerte sorprendió a Hooker pocos días después de su último concierto, en un local de Santa Rosa, California, confirmando el viejo mito del bluesman que se despide agarrado a su guitarra y cantando. «Esto ha sido totalmente inesperado. Tuvo a la audiencia a sus pies tres o cuatro veces el pasado sábado. Le gustaba el contacto con el público, y a pesar de su avanzada edad, no dejó de actuar hasta el final», declaró su agente, Rick Bates, a la agencia Rosebud. La desolación que su pérdida causó en el mundo de la música la expresó como nadie uno de sus más rendidos admiradores, el cantante irlandés Van Morrison: «Es difícil acostumbrarse a un mundo sin él», dijo.

Pocas semanas antes de su muerte, se había publicado su última grabación: una colaboración para el disco de tributo a los Doors Stoned immaculated. En ella superpuso su voz al clásico Roadhouse blues, en una inverosímil reunión con otro mito irrepetible, Jim Morrison, conseguida gracias a la tecnología.

Muddy Waters

Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense, generalmente considerado el Padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del Blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de los años 60.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide.
Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, y B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago".

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus giras por Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, el primer antecedente de una banda amplificada haciendo algo cercano al Hard rock allí (uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su reseña, ya que la música estaba demasiado alta). Entre sus admiradores prominentes en la escena Rhythm & blues inglesa de los años 60, sobresalen los Rolling Stones, quienes se bautizaron con ese nombre por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues".

Eric Clapton es un gran admirador de Waters, quien fue una importante influencia en sus años formativos. Su banda Cream grabaría una versión de "Rolling and Tumbling" en su álbum debut Fresh Cream, de 1966. El gran éxito de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready". Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call", "Mannish Boy" o "I've Got My Mojo Working" (compuesta por Preston Foster).

Jimi Hendrix, quien versionaría la mencionada "Rollin' Stone" ("Catfish Blues"), citó a Waters como "el primer guitarrista que le llamó la atención y le impresionó de joven". Por su parte, el guitarrista y líder de AC/DC, Angus Young, menciona a Muddy Waters como una de sus mayores influencias, y el título de su canción "You Shook Me All Night Long" (del álbum Back in Black), viene del tema "You Shook Me", compuesto por Willie Dixon, y popularizado por Muddy ("You Shook Me" también fue grabado por Led Zeppelin para su álbum debut de 1969).

Su última aparición en vivo fue durante un concierto de Eric Clapton en Florida, en el otoño de 1982.

Muddy Waters murió de ataque al corazón mientras dormía, en Westmont, Illinois, el 30 de abril de 1983, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

Algunas curiosidades sobre Beethoven

Ludwig van Beethoven1 (Bonn, 16/17 de diciembre de 17702 - Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Fue uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución de la música.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Cuando se trata de Ludwig van Beethoven todo el mundo sabe algo en particular, ya sea sobre sus increíbles composiciones musicales o sobre su caótica vida personal. Además, existen películas y libros que nos ayudan a revelar un poco más sobre este músico del siglo XVIII que sigue tan vigente como entonces. 

Algunas curiosidades sobre Beethoven

Fue el tercero en tener ese nombre

El primer Ludwig van Beethoven fue su abuelo, y el segundo, su hermano, quien murió 6 días después de que él naciera.

Le obligaron a practicar día y noche

Su padre vio desde temprano el potencial de Ludwig y lo obligó a estudiar incansablemente, con la esperanza de que se convirtiera en un genio del calibre de Mozart. El niño lloraba para que no lo atormentaran con las lecciones, pero lo obligaron a seguir adelante.

Por años creyó que había nacido en 1772, dos años después de su verdadero nacimiento, probablemente porque el padre quería hacerlo parecer más joven y talentoso, como el resto de los niños genios.

Dejó la escuela
En su casa se necesitaba dinero, así que dejó los estudios y se lanzó a trabajar. Fue así que no consiguió aprender a multiplicar o dividir. Si tenía que multiplicar, simplemente sumaba el número varias veces hasta dar con el resultado.

Se encontró con Mozart
Cuando tenía 17 años viajó a Viena donde se encontró con el famoso Wolfgang Amadeus Mozart. El artista no se impresionaba fácilmente con los músicos que llegaban a mostrarle sus habilidades, pero la historia dice que Beethoven logró algunos cumplidos del músico.

Tomó clases con Haydn
Cuando era joven se mudó a Viena donde tomó clases con el conocido compositor Haydn. Ambos se enojaban fácilmente, así que ninguna sesión culminaba sin una pelea.

Se enfermaba demasiado
Desde que nació y hasta su muerte fue una persona enfermiza y débil. Tuvo sordera, reumatismo, tifus, desórdenes en la piel, infecciones, degeneración inflamatoria de las arterias, hepatitis crónica y cirrosis.

Fue sordo desde temprana edad
Aunque siempre dijo que su sordera se debía a una caída, es probable que fuera por una enfermedad de su juventud, como viruela o tifus. A partir de los 27 años comenzó a oír un zumbido constante que le hacía la vida imposible.

Sonata Claro de Luna
Esta sonata fue muy exitosa desde un comienzo, y escrita para su alumna Julie Guicciardi. Beethoven odiaba dar clases a menos que fueran personas muy talentosas o jóvenes hermosas. El compositor nunca conoció esta sonata con ese nombre, porque fue el poeta Ludwig Rellstab quien la llamó por primera vez así, 5 años después de su muerte.

Su obra más temprana es del año 1782
Beethoven tenía solo 12 años cuando compuso su primer trabajo con 9 variaciones para piano, escritas en do menor, algo no muy común. Además, son muy difíciles de tocar a pesar de ser piezas escritas por un niño.

Murió en una tormenta
Beethoven murió durante una tormenta eléctrica y todo el mundo comparó este hecho con sus composiciones algo tormentosas. La causa de muerte fueron sus numerosas enfermedades, pero la autopsia reveló un hígado descompuesto por el alcohol y una cirrosis avanzada.

Sus últimas palabras
El mito dice que sus últimas palabras fueron “aplaudan amigos, la comedia está terminando”, pero suena muy poco probable que dijera esto, y menos en latín. Al parecer la verdad es que un editor le regaló a Beethoven 12 botellas de vino y sus últimas palabras fueron: “lástima, lástima, demasiado tarde”.

Tu tema me suena

Plagio es el término legal para la copia de otra persona o de la obra creadora de una entidad y haciéndola pasar como material original. En general, esto se considera una violación de las normas éticas y podría ser castigado por la ley en algunas áreas. En el campo de la música, muchas acciones legales han resultado de las reclamaciones por plagio música. A finales del siglo 20, la llegada de la toma de muestras de música complica aún más la cuestión.

Al igual que otras obras de creación, la música está protegida por las leyes de derechos de autor en muchos países, así como por el Convenio de Berna internacional. La mayor parte de la música está protegido por la vida del creador más varias décadas. En la práctica, los derechos de autor de muchas canciones populares son propiedad de las compañías de grabación, no por los propios artistas. Estos derechos de autor puede ser muy lucrativo para los años después del éxito inicial de la canción. Por lo tanto, las compañías de música protegerán vigorosamente estos derechos de autor en los casos de plagio de la música, ya sea real o percibida.

Al igual que otras formas de arte, la música está hecha de muchos elementos individuales, y que a menudo se inspira en las obras anteriores de arte. Un simple progresión de notas de una canción puede parecer muy similar a lo que se escucha en otras canciones conocidas, pero esto no significa necesariamente que el trabajo ha sido plagiado. Los jueces que supervisan los casos de plagio de música deben sopesar estos factores a la hora de tomar sus decisiones. Algunos reclamantes son simples oportunistas que buscan una porción de las fortunas hechas por canciones exitosas. Esto sólo hace que sea más difícil para decidir los casos en que el plagio real ha tenido lugar.

El plagio es definido por el Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española como la acción de "copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias".
Desde el punto de vista legal, el plagio es una infracción del derecho de autor sobre una obra artística o intelectual de cualquier tipo, que se produce cuando se presenta una obra ajena como propia u original. Así pues, una persona comete plagio cuando copia o imita algo que no le pertenece haciéndose pasar por el autor de ello. 

En la industria musical las acusaciones por plagio son algo constante. Por plagio hay que entender todo aquello que supone copiar obras ajenas en lo sustancial, presentando gran similitud con la obra original. El plagio supone un atentado contra el derecho moral del autor ya que infringe el derecho al reconocimiento del derecho a la paternidad de la obra reconocido la Ley de Propiedad Intelectual.

Los expertos musicales consideran que hay plagio cuando hay más de ocho notas continuadas iguales. Son muchos los casos de plagio, denunciados o no, en la historia de la música. A los expertos muchas veces les cuesta identificar qué es plagio y qué simple inspiración. Algunos se limitan a la música y el arreglo, mientras que otros copian la letra de la canción original. 

Plagiar básicamente es copiar o crear algo muy parecido de otro autor. El plagio puede suceder de dos formas, copiar una idea musical (una parte de la melodía vocal o del instrumental) o hacer un sampling.
Lo del sampling es fácil. Es cuando un artista usa literalmente el exacto mismo sonido de otro autor. No hablo de algo parecido, digo copiar el mismo exacto sonido y ponerlo en otra canción.

La mayoría cree que si superas las cuatros notas o x cantidad de compases idénticos se considera plagio y la verdad es que no. 
(En la SGAE - Sociedad General de Autores y Editores Españoles - descubrí que estaba totalmente equivocado. Ahora resulta que el plagio no existe...(?), como lo oyes, ni tres compases, ni dos , ni 25. En caso de denuncia, la Inspección Técnico Musical de la SGAE tiene la obligación de contrastar la veracidad de la acusación, pero sin fijarse en el número compases plagiados, porque un tema puede medirse con tempos diferentes; por tanto fijar tal o cual número de compases no tiene sentido. Lo que hace los inspectores es encargar a una comisión de expertos y arreglistas un informe sobre los dos temas en litigio para que analicen no solo las notas repetidas sino las armonías y ritmos, los arreglos, todo. Si el peritaje se inclina por la confirmación del plagio te pedirán que renuncies a los derechos de autor en beneficio de la otra parte y tratarán de llegar a un acuerdo amistoso que, caso de no darse, será juzgado por los tribunales ordinarios de justicia.
Por regla general la Inspección de la SGAE logra conciliar a las partes: es muy raro que se produzcan juicios por plagio en España, con el consiguiente escándalo. No ocurre lo mismo en otros países donde algunos llenan las primeras páginas. Me vienen a la cabeza casos como los del Beatle George Harrison con su "My sweet Lord" , condenado por plagio, o el de la famosa "Lambada" unos años atrás.
Si te fijas, normalmente plagia el fuerte al débil. El que plagia es aquel que estando en una posición ventajosa se aprovecha de las ideas de otro compositor menos conocido y se apropia los temas del otro. Por eso es tan importante que registres tus composiciones antes de enseñarlas por ahí, no sea que te lleves la desagradable sorpresa de escucharlas en poder de otros.)

Para Sadaic (Sociedad Argentina de Autores y Compositores) "no hay una fórmula matemática para determinar un plagio". Entonces, ¿qué pasa si un músico hace un reclamo ante la entidad? "La Comisión de Asuntos Artísticos evalúa y opina, comparando las obras en cuestión. Pero en definitiva es la Justicia la que resuelve si hubo plagio o no". 

Conclusión
Si terminas creando una canción donde la melodía vocal es parecida en todos sus términos a otra desde comienzo a fin es obvio que no hay feliz coincidencia. Pero si te tocase crear algunas melodías similares sería bueno que se lo hagas escuchar a amigos para que te den un veredicto. Pídeles que sean directos con respecto a eso. Si notan algo parecido a otro, sería mejor hacer los cambios apropiados. 

Tu tema me suena


ROBERT SCHUMANN - CONSEJOS PARA LA JUVENTUD

Robert Schumann nació el 8 de julio de 1810 en Zwickau (Sajonia) y murió el 29 de julio de 1856. Además de su fecunda obra musical, llena de notable inspiración y delicadeza, ha escrito un grupo de "Consejos para la Juventud".

Son consejos salidos de un hombre que amaba la educación musical y sobre todo a los niños; los "Consejos" constituyen una estupenda lección de pedagogía: Schumann no habla por hablar, le consta la realidad de lo que dice, muchas veces desde el más profundo dolor.
  • Para ti, joven músico, la cosa más importante es cultivar el oído. Busca todos los medios de distinguir las notas y las tonalidades. Trata de adivinar el sonido que corresponde al tañido de la campana, de una copa y de todo lo que tenga vibraciones agradables.
  • Ejecuta siempre a tempo y con calma; la ejecución de algunos virtuosos asemeja al paso de un ebrio... no te atengas a esos modelos.
  • No te asustes de las palabras teoría, armonía, contrapunto, etc., etc. Familiarízate con ellas y te sonreirán.
  • No ejecutes nunca una pieza por la mitad, concluye y esmérate en hacerlo bien.
  • No te preocupes nunca de la calidad del auditorio.
  • Si te presentan una composición que no conoces, léela antes de ejecutarla.
  • No propagues las malas composiciones y trata con los medios a tu alcance de impedir su difusión.
  • No desperdicies oportunidad de ejecutar con otros, algunos Dúos, Tríos, etc., ganarás mucho. Acostúmbrate a acompañar a los cantantes.
  • Elige por compañeros a los que sepan más que tú.
  • Escucha todos los cantos populares; ellos son fuente de las más hermosas melodías y reflejan el carácter de las distintas naciones.
  • Presta atención al timbre de todo instrumento y de toda voz humana; reténlo bien en el oído y clasifica su calidad.
  • Observa y estudia bien la vida como cualquiera otra arte o ciencia.
  • La ley de la moral es también la ley del arte.
  • Con actividad y constancia llegarás muy en alto.
  • Sin entusiasmo no hay cariño en el arte.
  • El arte no está para cosechar riquezas, trata siempre de ser gran artista; el resto vendrá de por sí solo.
  • Muchas y muchísimas veces se necesita un genio para comprender a otro genio.
  • El estudio no puede decirse jamás terminado.

MÚSICA CLÁSICA DE INDIA

La gama de estilos y tradiciones musicales del subcontinente Indio, comprende dentro de su contexto a los modernos estados de la India, Pakistán, Nepal, Bangladés y Sri Lanka, está en relación con la descendencia de orden musicoétnico. 
La música clásica de la India se caracteriza por sus melodías para solista o al unísono, con uso frecuente de un pedal —audible o sugerido— y ciclos rítmicos. Es inigualable por su variedad de tipos melódicos y rítmicos y por los instrumentos musicales que utiliza.

Lo que generalmente se entiende por música de la India se refiere a la tradición clásica, basada especialmente del sistema melódico "raag" y el sistema métrico "taal". Su aparición se remonta a los tiempos de los cantos de los Veda, aunque alcanzó su formalidad durante el 500aC, después de sufrir diversas modificaciones tras varias invasiones. 



Dos grandes vertientes son la música carnática del sur de India, y la música clásica indostaní del norte de India.

Historia de la música carnática
Las bases de la música carnática se escribieron posiblemente en la época del Sama-vedá (400 a. C.). Inicialmente, los instrumentos incluían un tipo de trompeta llamado un náda-suaram y una batería en forma de barril llamado un tavil, que todavía se usan con frecuencia en las bodas y ceremonias hindúes. En el pasado sobresalió el compositor Sri Naraiana Tirtha (1650-1745). Los compositores más respetados de la música carnática fueron Tiagarala, Muttusuami Díxitar, y Shiama Shastri.

En contraste de la India del Norte, el Sur nunca fue conquistado por los mogules y, por lo tanto, su música representa formas más puras e indígenas. La música carnática quedó popular con la gente, y fue ejecutada como un ritual espiritual.

El contenido de las canciones de la música carnática es necesariamente religioso, específicamene hinduista, aunque no siempre alaba, ya que el compositor también puede quejarse o regañar a la deidad.
 

El solfeo
El sárgam, es decir, el solfeo, de la música carnática es «sa-ri-ga-ma-pa-da-ni» (en contraste con el indostaní «sa-re-ga-ma-pa-dja-ni».) Las sílabas son abreviaciones de los nombres sádllamam, ríchabjam, gándjáram, mádjyamam, pánchamam, djáivatam y nichádam. Desigual a otros sistemas de música, cada elemento del solfeo (llamado una suara) puede tener hasta tres variaciones. Las excepciones son sádllama y pánchama, que tienen sólo una forma, y mádjyamam, que tiene dos formas. En una sola escala, llamado una raga, normalmente hay sólo una forma de cada suara, aunque en algunas ragas «ligeras», habrán dos, una para cuando se va hacia arriba (el arójanam), y una para cuando se va hacia abajo (el avarójanam), para el efecto artístico. A veces cuando uno canta en una raga, se cantará una nota que no esté ni en el arójanam ni en el avarójanam, pero que suena como si debiera incluirse en la raga por la emoción que la raga evoca. Ese tipo de suara se llama una aña suara. Una raga puede tener cinco, seis ó siete notas yendo hacia arriba, y cinco, seis ó siete notas yendo hacia abajo.

Composiciones: estilos y estructuras
Hay bastante variación en el estilo y la estructura de las composiciones carnáticas, pero la mayoría siguen el formato siguiente de tres estrofas:
  • Pálavi (पल्लवि) Es el equivalente de un refrán en la música occidental. Consiste en dos versos.
  • Anupálavi (अनुपल्लवि) La segunda estrofa. También son dos versos.
  • Cháranam (चरणं) La estrofa final (que es la más larga) que concluye la composición. Normalmente, la cháranam usa ideas ya desarrolladas en la anupálavi. Normalmente tres versos.
Este tipo de canción se llama un kírtana (कीर्तनं). Pero lo pasado describe sólo una forma para los kírtanas. Es posible que entre la anupálavi y la cháranam haya otra estrofa, que no tiene palabras sino sólo solfeo, llamada la chítasuara (चिट्टस्वरं).

Otra clase de composición carnática es el varna, que contiene, en efecto, toda la información necesitada para cantar en un raga: no sólo la escala, sino también cuáles suaras hay que enfatizar, cómo acercarse a una nota, frases clásicas y características, etcétera. Es como leer la Biblia en una lengua extranjera.

La música clásica indostaní
(hindi: हिन्दुस्तानी शास्त्रीय संगीत, urdu: ہندوستانی شاستریہ سنگیت) es el estilo de música clásica del norte de la India.

Es una tradición que se creó a partir de la síntesis del canto védico, de la tradición persa Musiqi-e assil y de tradiciones folclóricas de la región. Esta música es interpretada tanto por indios musulmanes como por indios hinduistas. Este arte ha estado evolucionando desde el siglo XII, en lo que es ahora el norte de la India, Bangladés, y Pakistán, y también en Nepal y Afganistán, y es ahora uno de las dos principales ramas de la música clásica de la India, siendo la otra rama la música carnática, que se desarrolló en el sur de la India. Igual que toda música india, los conceptos claves son la raga, o la escala, y la tala, o el ritmo.

Además de la voz humana, los instrumentos representativos son:
  • de cuerda pulsada: vina, sitar sarod, surbahar, sursringar y santur.
  • de cuerda frotada: sarangi, esraj y violin.
  • de viento: bansuri, shehnai, harmonium y samvadini.
  • de percusión: tabla y pakhavaj.
El sistema musical hindú utiliza una escala de siete sonidos en la que la distancia entre ellos es en torno a un cuarto de tono. Al existir intervalos menores que el semitono, resulta muy difícil transcribir melodías utilizando el sistema de notación occidental. La notación musical es una especie de recordatorio que no se corresponde completamente con lo que posteriormente se escucha en la interpretación. En la música india no existe un repertorio escrito, de tal manera que la transmisión musical es esencialmente oral. Una consecuencia de este sistema es el uso de instrumentos de sonido muy flexible, que pueden adaptarse a esta peculiar afinación.

La melodía se organiza en torno a ragas. Este concepto es difícil de entender para el occidental. Un raga se define por cuatro elementos:
  • Una nota fundamental, la tónica, que se toca constantemente y sobre la que descansa toda la estructura.
  • Un conjunto de notas entre 5 y 9.
  • Una nota predominante, diferente de la tónica y que se interpreta más que las otras, y que constituye el punto de partida para las variaciones melódicas.
  • Un conjunto de esquemas melódicos y rítmicos.

En la interpretación de un raga cuya duración puede oscilar entre 10 minutos y dos horas, aunque lo más frecuenta gira entre 30 o 40 minutos, se pueden distinguir:
  • La sección inicial, en la que se expone sus características, de forma lenta y sin percusión.
  • La  central en la que se introduce un ritmo básico que se va acelerando progresivamente y la melodía es más decorada.
  • La sección final en la que los ritmos son cada vez más rápidos hasta su conclusión. 

Cada raga tiene también unos elementos expresivos diferentes, pudiendo traducir diferentes pensamientos y sentimientos. Hay ragas para cada momento del día, para celebras acontecimientos del ciclo de la vida, para cada día de la semana, etc. Aunque se conservan en torno a 132 ragas, se utilizan con mayor frecuencia entre 50 y 60 ragas.

Por todo esto es complejo el concepto de raga para el occidental, porque incluye un tipo de escala, ritmos, esquemas melódicos, ornamentos, estados de ánimo, etc., formando un conjunto de materiales melódicos-rítmicos que se pueden utilizar para crear una composición.

El sistema rítmico recibe el nombre de tala. En el aspecto rítmico, la música hindú es sin lugar a dudas una de las más complejas del planeta. Un tala cuenta con un número de tiempos o pulsaciones de compás que oscilan entre 3 y 108 pulsaciones, agrupados de manera especial y que se interpreta con cambios de velocidad (lenta, media, viva), y con una acentuación diferente a la occidental.

Talas diferentes pueden tener el mismo número de tiempos pero con una organización distinta, (por ejemplo, un tala de 14 tiempos puede ser tocado 5+5+4, o bien 2+4+4+4). Cada raga está asociado a un tala, pero un mismo tala puede servir a diferentes ragas porque son menos numerosos, se conservan unos 108 talas pero sólo se usa un nº limitado de ellos (en el sur se utilizan 7 talas cada uno con cinco formas).

La memorización de las variaciones rítmicas se hace con la ayuda de monosílabos que representan las diversas maneras de golpear el tambor, con el borde de los dedos, con un dedo extendido, con dos dedos, con la palma de la mano, con las dos manos, sobre el centro o el reborde... Se obtiene así una manera de solfear los ritmos equivalente a la de las melodías. Esto permite a los músicos memorizar pasajes rítmicos muy complejos que pueden trabajar durante meses incluso sin tocar. 


El sistema de aprendizaje en la India es llamado guru-shishya-parampara. Parampara significa "tradición", conocimiento transmitido de maestros (guru) a estudiantes (shishya), llamado también guru-mukhya-vidya, o conocimiento (vidya) que proviene de los labios de los maestros (guru-mukhya); esto es, tradición oral.

Es este sistema de enseñanza, el que ha mantenido viva y vigente la  música tradicional en la India.

TIP Irreverente: Adaptación para tocar escala Hindú en escala occidental: DO RE MI FA SOL LAb SIb