Toquemos Música

Cuando este californiano sacó su primer disco ya tenía más de 60 años y una larga vida de vagabundeo a sus espaldas.  Ahora tiene cerca de 75, se fabrica sus propios instrumentos y le da al stompin’ blues. Recoge la herencia de John Lee Hooker transformándola a base de su honestidad y calidad.  Steven Gene Wold, mas conocido como Seasick Steve (nacido en 1941) Es un músico, blusero, nacido en Oakland, California, Estados Unidos. Usualmente sus canciones hablan sobre su juventud y sobre sus primeros trabajos casuales, que marcaron su vida. Generalmente utiliza guitarras personalizadas por el, o hechas por el o por luthiers amigos.  Infancia y primeros años de vida  Cuando tenía cuatro años de edad, sus padres se separaron.  Con ocho años se cruzó con el músico de blues KC Douglas, quien le enseñó a tocar la guitarra y así ganar algo de dinero tocando por las calles.  Se fue de su casa a los 13 años para evitar los abusos a manos de su padrastro, y vivió duramente en Tennessee, Missi

Un pedal de efectos (stomp box en inglés) es un dispositivo electrónico utilizado para alterar el sonido de una fuente. Al ser un artefacto electrónico, la fuente debe ser igualmente electrónica, por lo que sólo pueden ser útiles en una cadena de captura de sonido que se alimente de corriente eléctrica. Se utiliza mayoritariamente en el ámbito musical, tanto en grabaciones como en vivo. Los más comunes son: Distorsión, Estática, Octavador, Compresor, Saturación, Trémolo, Chorus effect, Reverberación, Delay, Ecualizador, Wah-wah, Flanger, Boost, Sustain o Phaser. El pedal se conecta a la cadena de señales usando dos conectores o "Plugs" de 1/4" también llamados "conector de audifonos". Algunas cajas de efectos tienen salidas estereofónicas por medio de dos salidas monoaurales y solo algunas tienen conectores estéreo para entrada y salida en uno (aunque esto es poco común). Varios pedales pueden conectarse juntos en cadena. Cuando un pedal está apagado o

Notación musical es el nombre genérico de cualquier sistema de escritura utilizado para representar gráficamente una pieza musical, permitiendo a un intérprete que la ejecute de la manera deseada por el compositor. El sistema de notación más utilizado actualmente es el sistema gráfico occidental que representa sobre un pentagrama una serie de signos. El elemento básico de cualquier sistema de notación musical es la nota, que representa un único sonido y sus características básicas: duración y altura. Los sistemas de notación también permiten representar otras características diversas, tales como variaciones de intensidad, expresión o técnicas de ejecución instrumental. No obstante, existen muchos otros sistemas de notación y muchos de ellos también se usan en la música moderna. Clave: clave de sol, clave de fa, clave de do.  Transponen toda la representación musical a una que se adecúe mejor al instrumento que se irá a reproducir.  Por ejemplo, las voces graves usan generalmen

Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense, generalmente considerado el Padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del Blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de los años 60. La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, y B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación. Sus giras por Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, el primer antecedente de una banda amplificada haciendo algo cercano al Hard rock allí (uno de los críticos

Las mejores cosas en la vida suceden cuando sales ligeramente de tu zona de confort. Lo mismo se aplica a escribir canciones. Quizá la idea de que tus canciones se escuchen o critiquen te asuste. O quizá te impone la idea de tocar frente a un público. Si eres consciente de que hacer algo te puede llevar camino del éxito y la única razón para no hacerlo es que tienes miedo o te inquieta, te estás engañando a ti mismo.. Empieza dando los pasos que sabes que son necesarios. Puedes comenzar poco a poco e ir construyendo sobre ellos. Por ejemplo, si temes tocar en público, puedes empezar en una sesión “open mic·” donde solo tienes que tocar una canción. O quizá tocar una o dos canciones para un par de amigos. Si estás nervioso, pero sabes que será bueno para ti, hazlo. Poco a poco ve expandiendo los límites de tu zona de confort y el resultado será que ganarás en confianza. Toma decisiones desde el futuro A veces tu miedo puede nublar tu juicio. Tu miedo podría instalarse en tu

El riff es el concepto que, en cierto modo, define el rock. No existía en ningún otro estilo, ni siquiera en el blues, el soul, o el R&B, y se ha incorporado únicamente en estilos derivados del rock, como el heavy, el thrash, rock progresivo, etc. Su ventaja es clara, y es que con una linea rítmica diferenciada, nos permite introducir un patrón reconocible por el oyente, algo que permita que el tema sea identificado a la primera escucha y sea más "comercial".  Además, las variaciones sobre ese riff pueden introducir un solo, una linea rítmica diferente... En sus comienzos, el riff y las rítmicas en el rock derivan de los recursos más utilizados en blues, pero sin utilizar tanto las séptimas de los acordes (los grados en su forma dominante).  Pronto los acordes de tríada también desaparecen, debido a la búsqueda de un sonido más "plano" y contundente. Las terceras de los acordes "brillan" demasiado. Son importantísimas en los acordes, per

El slap es una técnica para tocar el bajo eléctrico, aunque se desarrolló inicialmente en el contrabajo, en la década de 1920. Asociado actualmente al estilo funk en el bajo, y al rockabilly en el contrabajo, es ampliamente usado por bajistas de todos los estilos. Esta técnica produce un sonido muy percusivo ya que las cuerdas del instrumento se golpean contra el mástil. En el contrabajo la técnica de slap es una variante más agresiva del pizzicato. El efecto se obtiene, claramente, de dos movimientos combinados: El primero consiste en pulsar la cuerda tirando de ella con vigor y soltando, de manera que el rebote contra el mástil produce un chasquido seco; a continuación se ejecuta un golpeo contra la cuerda con los dedos extendidos como si se propinase una bofetada o azote (de ahí su nombre, slap, "bofetada" en inglés).  La técnica es conocida por los músicos de jazz y blues desde por lo menos los años 20, atribuyéndose su implantación a músicos como Pops Foster, St

El eco de los latigazos sobre el lomo del esclavo aún resonaba en el sur de los Estados Unidos, incluso ya bien entrado el siglo XX. En ese clima Riley Ben King, nació el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Missisipi. Por aquellos años de entre guerra, la pobreza azotaba al pueblo negro. Pero también padecían la discriminación racial. El propio BB King cuenta que una mañana cuando iba camino a la escuela primaria, vio a un negro colgado de un árbol, ahorcado y linchado por el Ku Klux Klan. Allí donde la ultra derecha inundaba de terror a la comunidad afroamericana, pocos años más tarde, esas latitudes serían conocidas por su creación artística: el Blues, una locura de la historia. El Blues nace en los campos algodoneros, mientras que trabajan de sol a sol, los esclavos cantaban pequeñas frases. A lo lejos otro negro respondía. Así nació la idea de llamada y respuesta, “call and response”, tan característica del Blues. Con el tiempo esa idea fue trasladada a la guitarra y se aprecia

Del pop al rock, del folk a la psicodelia, la banda fue capaz de innovar en todos los estilos. Hay unos Beatles pop, hay unos Beatles rock, hay unos Beatles folk, hay unos Beatles sinfónicos, hay unos Beatles psicodélicos, hay unos Beatles barrocos, hay unos Beatles sencillos, hay unos Beatles románticos, hay unos Beatles contestatarios. Sobre todo hay unos Beatles innovadores, revolucionarios, ávidos de explorar los límites, de traspasar fronteras sonoras y mentales. Durante solo una década, la de los 60, los cuatro de Liverpool sacaron todo el partido a una creatividad desbordante. Hoy son clásicos. En cierto modo cambiaron el mundo. Cuanto menos marcaron tanto a una generación que esta se ha ocupado de transmitir su legado a las siguientes. Repasamos su trayectoria paso a paso, eligiendo en cada entrega cinco vídeos, no de las canciones más famosas, sino las que mejor explican su evolución.

La música forma parte de nuestras vidas, nos acompaña allá donde vayamos, está siempre con nosotros.  Pocos saben de dónde viene. En realidad, los orígenes de esta se desconocen.  La música, se entiende como la creación de sonidos complejos, por lo tanto no requiere necesariamente del uso de instrumentos. En los inicios, estos no existían, y por ello la música se creaba con sonidos provenientes del cuerpo humano ( voz, brazos, piernas..) Escuchar música no sólo nos distrae y divierte, también ofrece múltiples beneficios intelectuales y emocionales.          La música hace que desarrollemos nuestra creatividad, imaginación y memoria, además, al ser un lenguaje universal, puede mejorar la sociabilidad de cada persona, ofreciendo mayores habilidades comunicativas. La  música se desarrolló de la mano del lenguaje, ofreciendo una mayor expresividad en la creación de sonidos. A medida que los años pasaban y las sociedades avanzaban, la música se iba convirtiendo en arte. E incluso en algunas

Concert Hotels publicó una lista de los mejores cantantes del mundo encabezada por Axl Rose.  Pues bien, en vintagevinylnew se mostraron escépticos ante los resultados y decidieron hacer su propio conteo al ampliar el rango de consideración empleado por Concert Hotels.  Ha sido siempre un tema de discusión. Definir quién es mejor cantante ha sido siempre una complicación para la música popular, derivando, en la mayoría de los casos, en peleas que terminan en nada más que una disputa de los gustos. Por ello, es interesante el ejercicio hecho por Vintage Vynil News, replicando el criterio de Concert Hotels, que buscó identificar el rango vocal de los cantantes destacados como “los mejores” en la lista de 100 mejores cantantes hecha hace un tiempo por Rolling Stone.   La primera lista sólo consideraba cantantes de la lista de los mejores 100 cantantes de Rolling Stone, así como los analizados por The Range Place y nominados a los Billboard Music Awards 2014, de

Un set list es una lista de las canciones que se van a tocar en una actuación en vivo/directo. Tener claro cómo organizar un setlist es importante cuando vas a tocar, ya que es vital tener muy claro qué canciones vas a interpretar y en qué orden vas a hacerlo para conseguir que el espectaculo lleve el mensaje que quieres transmitir a tus público. Por supuesto, primero de todo tienes que tener claro donde vas a tocar y quien va a ser tu público. A partir de ahí, tienes varias posibilidades para decidir cómo organizar un set list. Consulta cómo organizar un setlist con tus fans Los grupos o artistas más famosos a veces recurren a sus propios fans para que voten las canciones que quieren escuchar en el concierto y así saber cómo organizar un setlist que resulte. ¡Tú también puedes hacerlo! Ahora es muy fácil, ya que puedes contar con la ayuda de las redes sociales para involucrar a las personas que te siguen. Además se sentirán mucho más implicados con el show y eso les hará seguirte a

Los griegos consideraban a la música una actividad de función social ligada a todas las prácticas de su vida, por ello era considerada tan importante como el lenguaje mismo, con él que estuvo estrechamente vinculada, ya que el arte de los sonidos era inseparable de la tragedia y la poesía. Además la música estuvo vinculada al culto religioso, la adoración de dioses, así como a los fundamentos de la constitución del Estado, donde era tomada en cuenta en la formación moral de los ciudadanos; porque según los griegos ella influía en la emotividad del ser humano y así mismo en su moralidad. Por ejemplo tanto Platón como Aristóteles consideraban necesaria la música para disciplinar la mente, por lo que cierto tipo de melodías eran más adecuadas que otras para producir sentimientos de armonía, orden y bondad. Así mismo la música, dentro de las artes era considerada muy importante, ya que contaba con un valor médico, por ejemplo en la Teoría Catártica de la Música, Aristóteles plantea que el